lunes, 12 de diciembre de 2016

PATERSON





  Escrito por Luis Roca Jusmet

Jim Jarmush ( 1953 ) es un director y guionista estadounidense procedente del cine independiente. Su trayectoria, aunque su producción es desigual, es, sin lugar a dudas, muy interesante. La película que nos ocupa puede quizás considerarse como su obra más perfecta. Recoge algo muy valioso de sus primeras películas, como "Extraños en el paraíso"  o "La noche en la tierra" :  su mirada singular en lo cotidiano. 
 Adam Driver y Golshilfeth Faramani dan vida con una notable expresividad a los protagonistas. Se trata del registro de una semana de la vida de una pareja que, aparentemente, no tiene nada de peculiar. Un conductor de autobús de una pequeña ciudad de New Jersey. Paterson, y su mujer, dedicada a las tareas domésticas. Viven inmersos en una vida rutinaria, en la que él hace su trabajo aprovechando los momentos libres para escribir poesía. Vuelve a casa para querer a su mujer. Con sus manías, como cualquiera, pero con un amor generoso y total. La acepta tal como es. Igual que ella a él. No quieren más de lo que tienen. Podríamos irnos hacia el budismo zen o hacia Kierkegaard para entender lo poético de la mirada de Jarmush, La presencia del japonés puede ser un guiño en este sentido y el mismo Jarmush explica en una entrevista
que fue a través de su película "El camino del samurai" como entró en contacto con la filosofía oriental.
 El espíritu zen lo captamos en el ritmo narrativo : la vida como un proceso, como un fluir en el que se van dando transformaciones silenciosas, sin rupturas ni dramas. Una aceptación del curso de las cosas sin forzarlas ni negarlas. La propia manera de conducir el autobús refleja este ir haciendo adaptándose a este tiempo que va pasando sin sobresaltos. La contemplación de la naturaleza, que viene a ser el marco natural de este entorno urbano, tiene también uan estética zen. Y cuando digo zen no me refiero a esta marca new age comercializada para cualquier cosa, sino a la profunda tradición de esta rama budista.
 Pero podemos ver en el filme una materialización del estadio ético de Kierkegaard. No es el estadio estético, el de la aventura y la novedad, sino el estadio ético, el del compromiso y la repetición. La repetición que da sentido a lo cotidiano, vivido como una decisión permanente con la que damos un sentido a cada una de nuestras rutinas.
 Pero hay también una nueva vuelta al cine literario de Jarmush. Cine literario que se pone de manifiesto en la presencia material de la escritura, como ya lo hacía con los fragmentos de Hagakure que aparecían en "El camino del samurai". Pero ahora son los poemas que va escribiendo el protagonista los que van apareciendo en la pantalla.
 Es posible que nos encontremos con al obra maestra de Jarmush, donde parece condensar todo lo aprendido y experimentado de las películas anteriores. Por lo menos de momento.

viernes, 9 de diciembre de 2016

TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN









 Escrito por Luis Roca Jusmet

 Esta película se inspira en la extraordinaria novela de Lionel Shiver. Aunque la película no puede recoger todos los matices del texto y presenta algunas variaciones con respecto a él, la verdad es que nos encontramos frente a un filme muy interesante e impactante.
 Tilda Swinton realiza uno de sus papeles más inspirados en el dificil  papel de la madre. Ezra Miller es un joven actor que es capaz de dar la máxima veracidad al complejo personaje de Kevin. Todo ello bajo la firme dirección de Lynne Ramsay.
 La historia es tan trágica como enigmática. Y detrás de ellas se abren múltiples interrogantes. El primero de los cuales es que lleva a Kevin a ser lo que es y a hacer lo que hace. Necesario en el sentido que parece ir tejiéndose un hilo que lo conduce al acto terrible, como si se cumpliera el aforismo de Heráclito : el carácter es el destino. Porque, en el fondo, lo inquietante es que vemos como se va formando una personalidad a partir de una relación sádica con la madre. la ambivalencia de la madre solo recibe la respuesta agresiva del hijo y ambos quedan atrapados en un círculo infernal. El resto es, para Kevin, un simple escenario para esta relación. Los otros, simples piezas con las que Kevin juega para su guerra implacable. Y no hay ley que se interponga en este goce mortífero. El padre no existe como tal, no tiene una función simbólica de interdicción, de separación. La madre tampoco representa la ley, excepto el momento en Eva le da un fuerte empujón y lo lesiona, que es por cierto el único acto que a Kevin le merece un respeto. Todo ello nos lleva a la cuestión del Edipo y del declive del padre. Y también a la pulsión de muerte, que parece ser la fuerza que estructura toda la historia. 
 Psicópata, psicótico, perverso...y sus causas. esta es la pregunta sin respuesta de la película, a la que ni el propio protagonista puede responder.


martes, 6 de diciembre de 2016

LA LLEGADA ( ARRIVAL)




Escrita por Luis Roca Jusmet

 Ted Chiang es un interesante y muy singular escritor de ciencia-ficción. Podríamos decir que sus relatos plantean problemáticas filosóficas importantes, por lo que sería una especie de ficción filosófica, Uno de los libros más interesantes es La historia de mi vida, compuesto de varios relatos, uno de los cuales es "La llegada". Por su parte Dennis Villaneuve es un director de cine muy personal, con obras tan relevantes como Incendies, De el encuentro entre ambo surgirá esta extraordinaria película. Complementan este trabajo otros profesionales tan excelentes como Jóhann Jóhannsson en la banda sonora y la actriz Amy Adams, con su impresionante interpretación de la doctora Louise Banks. 
 La película trata de la lengua y del tiempo, y de la relación entre ambas. El lenguaje humano es, como sabemos, un lenguaje simbólico que se concreta en las lenguas. Al ser una invención humana convencional son los grupos humanos que forman una sociedad los que van construyendo su lengua a través de generaciones. La lengua es un instrumento muy preciso y sofisticado de comunicación , pero no es universal. Cada lengua debe traducirse para ser entendida por los que no la conocen. El filme plantea el problema de como comunicarse con extraterrestres con una lengua radicalmente diferente, que ni siquiera es lineal, que no tiene ni significantes. Muy extraño. Ideas que se manifiestan a través de figuras circulares. Figuras circulares que se parecen a los Ouroboros, símbolos gnósticos que representaban, como los de la película, serpientes o dragones que se muerden la cola. Pero el lenguaje simbólico también es el medio para poder pensar y nos enfrentamos aquí con la cuestión de si cada lengua es una cosmovisión, una manera de ver el mundo. Aunque ciertamente esta hipótesis etá más que cuestionada sí puede valer para casos extremos, como el inglés y el chino, que son las dos lenguas que domina Chiang. Y, por supuesto, si hablamos de lenguajes de miembros de planetas diferentes, 
 El tema central es la manera como vivimos el tiempo según lo estructura nuestra lengua. La diferencia entre la concepción del tiempo de china y occidente es clara, ya que para las lenguas chinas el tiempo siempre es visto como un proceso, en el que no hay presente sino es como paso del pasado al futuro. Pero Chiang llega más lejos y plantea un lenguaje ( no digo lengua porque parece que no hay significantes en el sentido que lo entendemos nosotros) no lineal en el que el tiempo no se vive de manera lineal, como continuidad. Esto me recuerda, como no, a Agustín García Calvo cuando nos decía que el tiempo no existía y que las cosas existían simultáneamente, no como continuidad. Como dice Chiang en una entrevista le interesa también el tema del libre albedrío : ¿ seríamos libres sin conociéramos el futuro ? ¿ Podemos decir que es posible la libertad cuando el futuro ya está escrito ?. La historia de la película está llena de sugerencias y aunque no hay un rigor argumentativo transmite intuiciones interesantes.
 La historia, el guión, la dirección, la interpretación, la música, los efectos especiales nos ofrecen un conjunto poético, mágico que nos envuelve. El cine como misterio, como transmisión del misterio de la existencia en esta historia de invasión extraterrestre cuyo sentido va muchos más allá que el de la propia historia.

domingo, 4 de diciembre de 2016

ANIMALES NOCTURNOS





Escrita por Luis Roca Jusmet

 "Animales nocturnos" es una buena película. Cine de impacto, que mantiene una tensión narrativa que atrapa al espectador sin un momento de respiro. Bien dirigida por Tom Ford, con un estilo que me recuerda ( sin llegar a su maestría) a David Lynch. Estilo que está siempre en el límite entre la capacidad para transmitir lo siniestro y el efectismo. La música y la fotografía ayudan a crear este clima que fascina al espectador. La interpretación de Amy Adams, Jake Gillenhaald, Aaron Taylor-Johnson y Armie Hammer.
 Ahora bien, no busquemos en la película una profundidad que no tiene. Trata muchos temas y los trata de manera superficial : el arte, la creación, el amor y el deseo, la pulsión, la violencia, la justícia. Lo cual no quiere decir que no aparezcan cuestiones sugerentes sobre todos estos temas. Una vez más, la vida como resultado del azar y la necesidad, de las contingencias que no dependen de nosotros y las decisiones que tomamos.
 Conformémonos por tanto con lo que es. Un buen triller, con todo el magnetismo que hace que el espectador se sumerja en una narración fílmica que le transporta a otro mundo, un mundo imaginario que nos hace salir de lo cotidiano, sea rutinario o dramático.
 Buen cine, en definitiva. Una película para ver y disfrutar.

domingo, 6 de noviembre de 2016

BROOKLYN




Escrito por Luis Roca Jusmet

 Esta película consigue un pequeño milagro. Es el de conducir la máxima emoción a partir de lo más sencillo. No es una película estimulante, ni por la fuerza de la acción ni por la del drama. Es una historia de tonos suaves, de narración pausada, en la que parece que no pasa nada, pero que va pasando mucho. Viene a ser lo que el filósofo François Jullien, hablando del pensamiento chino, llama las transformaciones silenciosas. Poco a poco las emociones contenidas van adquiriendo un ritmo dramático explícito y somos capaces de identificarnos con el dilema moral en que la protagonista se ve envuelta sin quererlo.
 Una pequeña pero profunda reflexión sobre el deseo, la esperanza, las raíces y, sobre todo, el aprendizaje vital. Pero sobre todo sobre la vida como este encuentro entre lo contingente, lo que aparece por azar en tu camino, y las propias decisiones. Porque aunque nos encontramos con lo que no buscamos, delante de estos encuentros inesperados debemos decidir. Como decía Sartre, estamos condenados a hacerlo. Aunque sea doloroso es inevitable. Y las decisiones suponen muchas veces una pérdida, un desgarro. La historia que narra el filme lo ejemplifica muy bien. Historias ordinarias que tienen mucho de extraordinario.
 La magnífica interpretación de Saoirse Ronan es una de las piezas fundamentales para conseguir el clima necesario para que la historia de la protagonista nos vaya envolviendo progresivamente. John Crowley, apoyado por una buena fotografía y una música perfectamente adecuada, consigue tallar una pequeña joya, 

viernes, 4 de noviembre de 2016

SLAVOJ ŽIŽEK : LO QUE NOS ENSEÑA EL CINE





Escrito por Luis Roca Jusmet

Slavoj Žižek  es, junto a Gilles Deleuze, Jacques Rancière y Stanley Caven, un filósofo que ha intentado pensar en cine más allá del tópico. El tópico es el lugar común de que el cine sirve a la filosofía en cuanto que dramatiza el concepto. Es lo que plantea por ejemplo Julio Cabrera en su libro "Cine. 100 años de filosofía", que es la versión más inteligente de este planteamiento. Es lo que llamó "logopatia", que consiste en entender que el cine añade lo afectivo a lo conceptual. En este sentido podríamos considerar, por ejemplo, que en la película de Costa Gravas "La caja de música" se dramatiza el imperativo categórico kantiano a partir de la decisión final de Ann Talbot de enviar al fiscal las pruebas que inculpan a su padre,
En realidad el cine es un lenguaje de imágenes pero que incluso en el cine mudo tiene una estructura simbólico, es un discurso. El mismo Rancière nos ha mostrado que la palabra no tiene porque ser más inteligente que la imagen, como sostienen algunos como Giovanni Sartorio. Lo que se acostumbra a llamar manipulación a través de las imágenes lo es por el discurso que los estructura. El cine y la filosofía se acercan efectivamente en la medida en que ambos se acercan a como construimos nuestra subjetividad. 
En este sentido no hay que plantear que el cine sirve únicamente para ejemplificar el discurso filosófico. En su excelente " Guía cinematográfica para perversos" Žižek, que presenta bajo la dirección de Sophie Finnes nos plantea que el cine es el lenguaje propio de nuestra época sea a través de la pantalla grande, la televisión o un ordenador, sea una película o una serie. ¿ Por qué perversos ? Porque el cine niega la castración, los límites de la fantasía.
 En el cine aparecen todas las fantasías. Y las fantasías son lo que construimos para tapar el agujero de nuestra verdad insoportable reprimida. En el caso del sexo se manifiesta de manera clara que es el soporte de nuestra sexualidad. Las fantasías perversas aparecen a veces de una manera tan descarnadas que para el espectador es la imagen más antierótica posible ( "la pianista") pero al mismo tiempo si desparece la fantasía el sexo se convierte en una mecánica estúpida y repetitiva. No es que todo sea sexo ( interpretación errónea de Freud) sino que el sexo es una metáfora de la realidad, que para nosotros no es más que una ficción organizada desde una fantasía. En el cine la apariencia triunfa sobre la realidad. No se trata de saber hasta que punta la fantasia es real sino hasta que punto la realidad es fantasía. En "Vértigo" el simulacro pesa más que la realidad para los dos protagonistas. Pero, como nos muestra David Lynch en sus films, la fascinación de la belleza encubre una pesadilla.
 El cine nos enseña como funciona el deseo. Porqué el problemas para los humanos es saber que desear. Deseamos desear, como decía Nietzsche. Y el deseo es metonímico, como decía Lacan, pasa de un obejto a otro. El deseo humano, es algo artificial, tan poco natural como enigmático. En el límite, hay deseos absolutamente obscenos y perversos, como los que muestra Dennis Hopper en "Velvet Blue". O su realización nos llevan a un escenario infernal, como vemos en "Solaris". El cine le enseña de esta manera al espectador, que está sentado delante de una pantalla, el juego del deseo. Pero al mismo tiempo esta posción de espectador  le permite distanciarse de él. La magia del cine es esta ilusión de vivir el deseo siendo capaces de mantenernos a distancia de él.  A veces, sugiere  Žižek, lo que vemos es la pantalla es la expulsión de una mierda sin que nos salpique.
  Otra cosa que no enseña el cine es que la realidad es una construcción simbólico que genera cada sociedad y a partir de ella ( el Otro ) cada cual construye la suya. Pero hay algo más real que la realidad que es lo Real. Lo Real es la verdad traumática, insoportable que reprimimos y que se manifiesta a partir de los síntomas. En el cine hay constantes síntomas de este real, que es como una especie de Cosa que aparece en el escenario exterior pero que no deja de ser una proyección de esta verdad interior : "Los pájaros" ( pulsión sexual desbocada), "Allien" ( lo extraño insoportable que aparece como un monstruo), Lo Real es esta perturbación de nuestro equilibrio. La pulsión de muerte es esta energía excesiva, que nos lleva a un goce que se confunde con el dolor, que supera todos los límites. Es el cine de Hitchkock en el que aparece de forma súbita, brusca lo inesperado ( escenas de "Psicosis"). Siguiendo el planteamiento lacaniano de los objetos parciales de la pulsión, nos habla de los "órganos sin cuerpo". La mano que se mueve sola del Dr. Stravologe en "Teléfono rojo, volamos hacia Moscú", la voz del Dr.Mabuse ( en "El testamento del Dr.Mabuse), la voz de la cantante en "Muldohme Drive" , el puño que pega a uno mismo en "El club de la lucha"). 

Otra cuestión interesante que plantea el filósofo es que en el cine aparece la temporalidad y dentro de ella surge la cuestión de la causalidad reatroactiva .En la convencionalidad de  una historia cinematográfica lineal parece que todos los acontecimientos están encadenados necesariamente para preparar el final. Esto es una ilusión, por supuesto, porque todos los hechos son contingentes y podían haber pasado de una manera distinta a como pasan. Curiosamente, si explicamos la historia retroactiva mente, del final al principio, es cuando se pone de manifiesto la contingencia. Continúa hablando de la inexistencia del Gran Otro, al que suponemos como fundamento y garantía de lo real pero que es ilusorio. En realidad cuando decimos que "una carta siempre llega a su destino" estamos formulando esta ilusión del destino. Que una carta llega a su destino quiere decir, en realidad, que una cosa debe pasar porque pasa. Y porque pasa era su destino. Cojamos por ejemplo la película "Julieta" de Pedro Almodovar. La protagonista, a partir de una contingencia, conoce al que será su marido. El destino era conocerlo porque lo conoce. La pregunta es si en las circunstancias en que estaba podía haber hecho algo diferente de lo que hizo, que era salir de su departamento del tren porque no quiere hablar con el hombre que entra porque le consideraba pesado. ¿ podía haber decido quedarse ? Esta es la pregunta que nunca sabremos, si elegimos lo único posible dada las condiciones o era posible otra decisión. En todo caso, si al conocer al que será su marido se lía con él , esto si que responde a lo que son cada cual y lo que ven en el otro.  Aquí tenemos la formulación lacaniana de que que es la expresión " una  siempre llega a su destino".  Es la película "Luces en la ciudad" de Charles Chaplin y, sobre todo, la de su última escena, cuando la mujer ciega que ha recuperado la vista "ve" ( en el doble sentido) quién es su salvador : un vagabundo. Es la película que refleja más claramente que todo el desarrollo fílmico parece conducir a esta última escena. La carta que llega a su destino es el acto definitivo, consecuencia de toda una serie de actos encadenados y anteriores que lo producen. Tenemos aquí toda la problemática de la relación entre lo contingente y lo necesario. La carta, en la película, llega a su destino dos veces : cuando el vagabundo consigue entregar a la muchacha ciega el dinero del hombre rico para operarse y cuando la muchacha reconoce en el vagabundo a su benefactor. Es decir, en el primer caso como mediador y en el segundo cuando no nos podemos reconocer como mediadores. En términos lacanianos; en primer lugar, a través de la metáfora paterna, interiorizamos el ideal que nos da una identidad simbólica, y en segundo cuando nos desprendemos de esta identidad simbólica, del lugar que ocupamos en la mirada del Otro y nos identificamos con el resto que deja esta caída del Otro,que es nuestro ser.
 A nivel simbólico que una carta llega su destino quiere decir que no hay metalenguaje. Nadie está afuera y hay que denunciar con Hegel al "alma bella" que critica el mundo del que forma parte como si él estuviera fuera. Es la queja de la posición histérica, que pide lo que no se le puede dar. Todos formamos parte del circuito simbólico y todos tenemos una deuda simbólica. La carta que siempre llega a su destino es este objeto simbólico que aparece en muchas películas de Hitchcock y que finalmente vuelve a las manos del que lo ha perdido : el anillo de "La sombra de la duda" o el encendedor de "Extraños en un tren". La carta llega siempre a su destino quiere decir que hay como una especie de punto ciego, una verdad oculta que existe en los fallos del circulo imaginario. 
 A nivel imaginario quiere decir que uno recibe es el destinatario de una carta cuando la recibe. Esto es lo que quiere decir que no hay azar, que si conozco a alguien quiere decir que lo tengo que conocer pero si lo tengo que conocer es porque lo conozco. 
 A nivel Real que la carta llega siempre a su destino cuando nos separamos del Gran Otro y somos la mancha, este resto que es el "Esto eres tú". Pero también quiere decir que todos moriremos. La muerte es el destino de cada uno de nosotros. Pero lo Real no es solo la muerte sino también la vida. Se trata, en definitiva, del dualismo freudiano : las pulsiones de vida y las de muerte. Nunca puedes librarte de la mancha de tu goce, este plus de goce que Lacan marca como el objeto a. Porque la pulsión, de vida o de muerte, siempre es un exceso que desborda el orden simbólico. 
necia. Como parece una contingencia el ejemplo que dice Žižek , que es el de Roberto Rosellini y Ingrid Bergman. Lo que viene a decir es que si una cosa llega a pasar, como el encuentro y posterior matrimonio, entonces es el destino. Lo cual quiere decir que el destino no es lo que tiene que pasar sino lo que pasa.

lunes, 31 de octubre de 2016

A QUIET PASSION ( HISTORIA DE UNA PASIÓN )



Escrito por Luis Roca Jusmet

 Terence Davies es un buen director, con un estilo muy propio, que ha conseguido con esta película una obra muy bien acabada, Se trataba de una reconstrucción biográfica de la vida ( y muerte ) de la poetisa norteamericana del S.XIX Emily Dickinson ( perfectamente interpretada por Cynthia Nixon). Mujer compleja, que sublima en la pasión tranquila de la poesía sus pulsiones sexuales y emocionales reprimidas. Una mujer de carácter, muy ambivalente en todo, excepto es su rigidez perfeccionista. No transige con nadie, ni consigo mismo. Con un cierto complejo de fea, en una sociedad que sabe que se valora a las mujeres por la belleza de su imagen corporal, se resiste al fracaso de salir al mundo y ser rechazada. De esta manera nos encontramos con la paradoja de una mujer valiente que es cobarde porque vive toda su vida refugiada en la familia.
 El ambiente, el clima que transmite la fotografía, la música, la dirección y la interpretación nos envuelve desde el principio al final. Los espectadores pasamos a ser una especie de acompañantes de la trayectoria vital de Emily Dickinson, Cada poema queda enmarcado en un estado afectivo, en una situación especial. Poemas, por cierto, tan extraordinariamente conmovedores como austeros. la austeridad brilla en todo momento, como una especie de contención permanente, que no es otra que la de la propia poetisa.
 También es interesante el retrato de una época y de una clase social, siempre como fondo de lo que es la historia de esta increíble mujer y poetisa, Emily Dickinson.


domingo, 9 de octubre de 2016

ELLE





Escrita por Luis Roca Jusmet

 La película se basa en una novela de Philippe Djian que podríamos calificar como de thriller psicológico.
 Una historia fuerte sobre una mujer que ha vivido un trauma infantil límite y que, una vez convertida en una adulta capaz de responsabilizarse de su vida, se enfrenta nuevamente a una agresión que rompe su rutina para enfrentarla a lo más oscuro de sí misma. 
 La película no sería lo que es, un filme sobresaliente, sin la extraordinaria interpretación de Isabelle Huppert, que transforma un personaje difícil en una mujer compleja e imprevisible, pero absolutamente creíble. Borda totalmente el personaje con todos sus matices y enigmas, Digo enigmas porque Michèle Leblanc aparece a nuestros ojos de una manera muy conductista. Vemos lo que hace pero no sabemos lo que siente ni lo que piensa. Tampoco sabemos como vivió esta experiencia traumática que rompió su vida cuando tenía diez años. ¿ es Michèle Huppert una perversa o una víctima de sujetos perversos, su padre primero y Patrick después. la respuesta es ambigua. Pero Michèle es una mujer fuerte, como las otras mujeres que aparecen en la historia. Son todas supervivientes. Los hombres, en cambio, son víctimas de sus pulsiones perversas o, simplemente, de su propio patetismo.
 La película gira igualmente en torno a la responsabilidad. Debemos responsabilizarnos de nuestra vida y hacernos carga de ella, a pesar de los pesares. Nosotros somos, al final, los que nos responsabilizamos de lo que hacemos con ella, por muy marcados que estemos por lo que no hemos elegido. Y también lo somos de cada uno de nuestros actos y de sus consecuencias. 
 Paul Verhoeven, viejo artesano del cine de lo que podríamos llamar serie B, consigue a los 77 años lo que yo creo que es su obra maestra. La música, excelente, y un elenco interpretativo de alto nivel, al lado de la genialidad de Isabelle Huppert, recrean esta excelente película.



domingo, 2 de octubre de 2016

CAFÉ SOCIETY



Escrito por Luis Roca Jusmet


Como todos sabemos, Woody Allen, a pesar de ser uno de los grandes directores cinematográficos contemporáneos, tiene una producción tan amplia como desigual. Lo que yo rescataría de la obra de Woody Allen para la historia del cine son sus mejores comedias y sus mejores dramas. Las mejores comedias las elaboró a finales de los 70 : Annie Hall, Manhattan... Los mejores dramas han ido apareciendo de manera intermitente y los que más me gustan son los que tienen algo de suspense, como Delitos y faltas y Match point.
Woody Allen ha seguido dirigiendo con su buen oficio, lo cual a veces no ha sido suficiente como para producir algunos bodrios ( como Vicky Cristine Barcelone). Algunas de estas últimas películas, como Blue Jazzmine, me parecen de todas maneras que hay que contarlas entre los mejor de su filmografía.
 Café Society es una de las grandes comedias de Woody Allen, al nivel de las que citaba de los años 70. Es una película redonda, sin más pretensiones que las que tiene, que es la de una comedia entretenida e inteligente, pero que pone de manifiesto todo el talento narrativo de Woody Allen como director y como guionista. Una trama familiar y social muy bien enlazada, con un ritmo fluido que mantiene en todo momento el placer y el interés del espectador. Lo pasé realmente bien porque la dirección, la interpretación y la música se conjugan en un filme que hace del cine un auténtico goce. Aunque hay un cierto tono agridulce la película respira vitalidad. Los sueños sueños son, pero hay que vivir y hay que hacerlo con la máxima alegría aunque el mundo real no se adecue a ellos. Aparecen, por supuesto, los grandes temas de Woody Allen : el azar, la felicidad, la insatisfacción, el amor... Como, en definitiva, vamos tejiendo nuestra vida a partir de nuestras decisiones y las de los otros. Tenemos también otras cuestiones sociales de fondo, recurrentes en algunos casos en el mundo de Woody Allen. la comunidad judía de New York. Pero también el ambiente de Nueva York y Hollywood de los años 30, con todo lo que tiene de fascinante y de falso al mismo tiempo. 
 La interpretación me ha parecido genial en todos los casos, desde los protagonistas hasta los secundarios. Jesse Eisenberg viene a ser el nuevo rostro de un Woody Allen ya demasiado viejo para interpetrar al personaje principal, pero con los tintes caracterísiticos. Kristen Stewart una nueva actriz de pura cepa, tan atractiva como convincente. Steve Carell y Jeanne Berlín, estupendos.

domingo, 25 de septiembre de 2016

EL PORVENIR




Escrita por Luis Roca Jusmet

 El filme de la directora alemana Mia Hansen-Love puede recordar, como he leído en algún lugar, al del maestro Erich Romer. Su minimalismo, su observación de lo cotidiano, su reflexión sobre las transformaciones silenciosas que se dan en la vida de cada cual. Esto último se manifiesta en una discontinuidad en la continuidad : se corta una situación y se enlaza con otra. Para los chinos el tiempo presente no existe, solo hay pasado y futuro. El porvenir, título de la película, es este paso que vamos viendo, esta continuidad entre lo que pasaba y lo que pasa. El filósofo italiano Giorgio Colli dijo que la percepción es un recuerdo. Pero Rohmer es, por decirlo así, un estoico más alegre que la directora de esta película, es más spinoziano. En el filme que nos ocupa hay un estoicismo algo triste, algo depresivo. Nathalie es kantiana. Quizás le falte el deseo, oculto tras el deber. parece como algo desconectada de sus emociones. Hay una contención permanente en Nathalie.
 La película es interesante pero no hace vibrar. Ignoro si la directora busca intencionadamente este sentimiento del espectador, que se identifica así con el mundo de la protagonista, Nathalie, interpretado por una extraordinaria isabelle Huppert, que hace suyo el personaje.
 Me llama la atención la insistencia en una frase de la protagonista en el folleto de propaganda de la película : "He reencontrado mio libertad, una libertad total, es extraordinario." Justamente mi manera de entender la película es al revés de lo que da ha entender el sentido que quieren dar a esta frase. Porque esta frase refleja una ilusión de la protagonista, que finalmente abandonará. Si vamos a la teoría de Kierkegaard de los tres estadios encontramos que ella ha vivido siempre en el estadio ético : la repetición, el compromiso. El estadio estético es el de la aventura, la disponibilidad, el cambio, es al que se refiere cuando se encuentra frente a esta libertad. Se ha roto el compromiso con su marido, con sus madre, con sus hijos. Quiere experimentar pero este camino no le conduce a ningún sitio y al final vuelve al compromiso, simbolizada por la cena dada a sus hijos y el cuidado del nieto. Ella no reiventa su vida, sigue su proyecto. En un momento parece querer experimentar cosas nuevas cuando visita a su ex-alumno. Pero rápidamente se da cuenta de que ella está de vuelta de lo que están viviendo. No le interesa.
 Un problema interesante que me plantea esta película, como profesor de instituto que vive la pasión de la filosofía es hasta que punto la suya es una vida filosófica. Ella vive inmersa en la problemática filosófica, que transmite a los estudiantes para enseñarles a pensar. Pero este enseñar a pensar debería serlo sobre sus problemas cotidianos, personales y sociales. Ella misma no se define cuando es interpelada : la huelga, la autoría... ¿ Ha de servir la filosofía para aprender vivir lo cotidiano mejor ? Yo creo que no, al igual que ella. La filosofía problematiza, abre horizontes y nos da instrumentos para pensar nuestro mundo, pero no da soluciones.
 Hay, por supuesto, toda una reflexión sobre una etapa de la vida de la mujer, el otoño vital, entre una juventud perdida y una vejez futura. 
 La película tampoco se inhibe de las problemáticas concretas del momento, en relación a la actividad de Nathalie. Las huelgas de estudiantes de secundaria, la trasnformación de las editoriales por la política de marketing a corto plazo... 
 Una buena película, no de las que te conmueven pero sí de las que te hacen pensar.

viernes, 9 de septiembre de 2016

ANIMAL FACTORY




Escrito por Luis Roca Jusmet

Steve Buscemi es un actor secundario, pero muy singular y expresivo actor norteamericano, conocido sobre todo por películas de los hermanos Cohen o de Quentin Taradino. El típico actor de reparto que deja huella de su presencia en cualquier película. El año 2000 rodó esta película, Animal factory.
 El microcosmos carcelario ha sido reproducido muchas veces, con mayor o menor fortuna. Sin tener un argumento demasiado original, Steve Buscemi considgue una película del género más que aceptable. Colabora, al margen de su firme y persona dirección, la excelente música y la buena interpretación de William Dafoe, un buen actor, generalmente de reparto como el propio director de la película, pero que en films como el que nos ocupa es capaz de asumir con maestría el papel protagonista. Le acompaña Eduard Furlon, en una excelente interpretación juvenil, al igual que en American X. Destaca en el resto del reparto la inmsólita presencia de un Mickey Rourke en el papel de travestí.
 Es una de las películas que para mí ha mostrado de manera más gráfica lo que es la esencia del universo carcelario. El filósofo Michel Foucault analizó de manera lúcido el fenómeno de la prisión. Una cosa que nos resulta tan familiar es simplemente una forma de castigo que hasta el siglo XVIII no tuvo ninguna relevancia en Europa ( y menos aún en las otras sociedades). Se prefería el exilio, la tortura, la muerte, la amputación, la desposesión de propiedades o derechos, etc. La prisión adquiere relevancia en el seno de los movimientos ilustrados y filantrópicos que lo veían como una manera de reinserción social. Eran concepciones optimistas e ingenuas del ser humano que en poco tiempo mostraron su fracaso. Más que en otra cosa las prisiones se convierten¡ en fábricas de delincuentes. ¿ Porqué siguen existiendo si no cumplen la función por la que fueron establecidas ? Para Foucault hay una parte que es la pura inercia pero también pueden tener la función secreta de justificar la policía, de crear redes de colaboradores... En todo caso es, como casi todo lo que ocurre en las sociedad, más productos de las contingencias que de la necesidad. 
 Lo cierto es que la prisión se convierte en una sociedad paralela en la que una vez se entra se genera una dinámica repetitiva en la que los encarcelados van haciendo su propio mundo y cada vez les resulta más difícil volver a la sociedad externa. Es un mundo de una tensión extrema, de una violencia omnipresente, en la que se van estableciendo jerarquías y valores propio. William Dafoe lo pone de manifiesto de manera muy clara en dos ocasiones. En una dice que es el prestigio el que te mantiene frente a los otros. Es la lucha a muerte por el prestigio que tan bien nos explicaba Hegel en su "Fenomenología del espíritu". Y, por supuesto, en la frase final : "Más vale reinar en el infierno que servir en el cielo".
 También vale la pena identificar en la película los temas de la amistad viril, la paternidad simbólica y la redención. Se trata, en definitiva, de una película que merece verse.

lunes, 5 de septiembre de 2016

EL FECUNDO ENCUENTRO ENTRE ALFRED HITCHCOCK Y FRANÇOIS TRUFFAUT



Escrito por Luis Roca Jusmet

 Cuando tenía unos doce años veraneaba en Valldoreix, que formaba parte del municipio de San Cugat y que básicamente estaba compuesto por torres de veraneo de gente de Barcelona, como mi familia. Un día, por la noche, mi hermano, algo más pequeño que yo, fuimos al cine que había montado artesanalmente en un local-bar de Mirasol, al lado de Valldoteix, y que estaba a una distancia de nuestra casa de Valldoreix. En el cine hacían "Psicosis". Fuimos con mi tío, hermano menor de mi madre, que tenía poco más de veinte años. Mi tío disfrutaba haciéndonos pasar miedo. Ya desde muy pequeños, cuando él era adolescente y pasaba parte del verano con nosotros.  "Psicosis" tuvo en mí un efecto siniestro, lo que asusta y atrae al mismo tiempo, de una forma particularmente intensa. Me impresionó mucho, muchísimo. Pero por la noche volvimos a oscuras por aquellos senderos silenciosos bajo la risa perversa de mi tío.
"Psicosis" fue entonces un elemento clave en mi imaginario infantil. Este recuerdo me viene después de visionar una extraordinaria película-documento sobre el encuentro Hitchcock-Truffaut. Hitchcock dice que lo que que lo que quería era emocionar al público. Lo consiguió plenamente. Pero todo Hitchcock, todo su cine fue conformando mi imaginario. La película, por cierto, es altamente recomendable, es un magnífico puzzle en el que el centro es esta entrevista de dos personas que hicieron del cine el sentido de su vida. Dos personas libres porque ser libre, es, en definitiva, expresar la propia singularidad. Solo hablaron de cine, a todas horas, porque era lo que les interesaba, era lo que les unía, eran sus mundos diferentes y. al mismo tiempo, compartidos. Al mismo tiempo podemos gozar de comentarios de diversos directores, todos admiradores de Hitchcock. 
 No podría entender mi vida sin Hitchcock, forma parte de lo que soy. Verlo en este documental, oírlo, saborear sus escenas, ha sido para mí un enorme placer. Y estas son las identidades singulares en este mundo moderno que, para bien o para mal, ha diluido las identidades colectivas. Pero identidades singulares que no deben aislarnos sino unirnos. Y aquí me uno yo con todos los espectadores de esta extraordinaria película, con todos los directores que hablan de Hitchcock, con el mismo Hitchcock y con Truffaut. Pero también con Slavoj Zizek cuando leo su libro "Todo lo que usted quiere saber sobre Lacan y no se atrevió a preguntarle a Hitchcock." Y con el mismo Lacan, y con todos los lectores de uno y de otro. Y así vamos conformando una comunidad heterogénea de múltiples afinidades. Esta debería ser nuestra patria, la de lo común y de lo diferente, la de lo universal y lo singular. Y aquí está Hirchcock cuando dice que un europeo, un japonés y un  indio se estremecerán igual al ver "Psicosisi". Un lenguaje de las imágenes que se hace así universal. 

miércoles, 31 de agosto de 2016

SIDNEY ( HARD EIGTH)



Escrito por Luis Roca Jusmet

Es esta una curiosa película. El argumento es, de entrada, bastante extraño. Hasta algo avanzada la película no se coje el hilo, no acabas de hilvanar de qué va la historia. Una historia con un cierto estilo de cine negro, pero que nos habla de la paternidad y de la redención. 
 Un hombre, sin motivo aparente, se hace cargo de un individuo joven, vulnerable y marginal, al que no conocer. Se convierte para él en una especie de padre. Luego sabemos que es una redención por una deuda con el chico y quizás con sus propios hijos. Una vida vacía parece recuperar el sentido. luego es como si su compasión se prolongara y se hace cargo de una joven que se desprecia y se humilla a sí misma. 
 Pero todo pasa a un ritmo marcado por una música excelente, con el silencio y la mirada como elementos más expresivos. El hombre, Sidney, habla poco.. Le definen sus actos, seguros, contundentes. Sus protegidos tampoco hablan demasiado.Los que sí hablan lo hacen por incontinencia, por charlatanería. Son indignos en su palabrería frente al silencio de Sidney, que parece un viejo samurai. Es el silencio del samurai. 
 La película es magnética, está muy bien dirigida por Paul Thomas Anderson y magníficamente interpretada por Philip Baker Hall y John C. Reilly, con Samule J. Jackson y Philip Seymour Hoffman,
La música, exclente.
 Cine con estilo clásico que vale la pena ver. Totalmente aconsejable.

domingo, 14 de agosto de 2016

TODOS QUEREMOS ALGO





 Escrito por Luis Roca Jusmet

 Si viera por casualidad el inicio de la película no tendría muchas ganas de continuar. la típica historia del grupo de estudiantes que comienza la Universidad, en tono de comedia, no me resulta muy atrayente. Aunque sí hay que reconocer que engancha el ritmo inicial, muy trepidante, la música rock que le acompaña. Pero una referencia reclama paciencia y es la del nombre de su director, Richard Stuart Linklater, es el director de la cinta. Entre sus obras más brillantes, tenemos de Boyhod ( Momentos de una vida)  o la serie Antes ( del amanece, del atardecer,del anochecer ).
Como luego explicaré hay un cierto hilo conductor entre las tres cintas.
 El argumento no se sale, superficialmente, del tópico de este tipo de películas. Pero esta rodado con una vitalidad que contagia al espectador, evita las escenas de mal gusto 
que abundan en estas cintas y nos transmite, en definitiva, el gozoso retrato de un grupo de camaradas, unidos por el deporte, que afrontan el inicio de una nueva etapa de sus vidas, la salida de la adolescencia y el paso a la adultez. En este interregno que son los años de universidad,en un contexto tan determinado como las universidades norteamericanas. El buen hacer del director hace que la historia resulte interesante y estimulante. Es también un retrato, el de la generación de los 80, que como he dicho se da en el marco de EEUU pero que en muchos aspectos puede ser extrapolable a otras sociedades modernas. La música acompaña y lo hace, por cierto, muy bien. Son los grandes del rock de los 80 : Frank Zappa, Blondie, Dire Strite, The Cars.
 Pero la película tiene también su dimensión filosófica, que tiene que ver precisamente con las dos películas que he mencionado al principio. Es el tiempo, la temporalidad humana. Como sabemos,no es el tiempo el que pasa sino somos nosotros los que pasamos. Somos tiempo y somo una trama de relaciones. En "Momentos de vida" es la vida de un niño y su tránsito a la juventud lo que se pone de manifiesto y el director lo rueda además en tiempo real. En los tres "antes de" es el inicio de una relación, su consolidación, su crisis, su envejecimiento el que se pone de manifiesto. Lo hace además con la bella analogía del paso de un día con el paso de la vida. En la película que nos ocupa el tema se manifiesta de una manera más encubierta, más sutil. Cuando el protagonista, al final de la película, habla con la chica que ha conocido y esta le habla de la necesidad de una pasión que de sentido a tu vida y él le dice que esto es lo que es para él el beisbol. Que no importa lo que sea pero que sea algo que te apasione y de un valor y un sentido a tu vida. Es como un pasado que se deja y un futuro que se apunta. y el presente es, ni más ni menos, lo que experimentamos en el tiempo que pasa y que, en la juventud sobre todo, queremos atrapar con tanta intensidad.

jueves, 11 de agosto de 2016

SLAVOJ ŽIŽEK, : NUNCA SE PUEDE SABER DEMASIADO SOBRE HITCHCOCK




Escrito por Luis Roca Jusmet


 La segunda parte de Mirando al sesgo.Una introducción a Jacques Lacan a través de la cultura popular se titula  "Nunca se puede saber demasiado sobre Hitchcock" y en él hay tres artículos algo dispersos pero muy sugerentes. 
El primer artículo se llama "Como los no engañados se equivocan. El texto se inicia con una reflexión sobre el cine, que es que en una historia cinematográfica lineal parece que todos los acontecimientos están encadenados necesariamente para preparar el final. Esto es una ilusión, por supuesto, porque todos los hechos son contingentes y podían haber pasado de una manera distinta a como pasan. Curiosamente, si explicamos la historia retroactivamente, del final al principio, es cuando se pone de manifiesto la contingencia. Continúa hablando de la inexistencia del Gran Otro, al que suponemos como fundamento y garantía de lo real pero que es ilusorio. Todo ello para acabar con Hitchcock y la presencia de este Otro que no debe saberlo todo en sus películas. Este Otro que no lo sabe todo aparece de manera diáfana en el escrito "La carta robada" de Lacan. Tenemos tres elementos : el agente que realiza el acto ( el que coge la carta), la mujer del rey ( que asiste impotente al robo) y el Rey, el Otro que observa sin saber lo que ocurre. Esto también ocurre en la película de Hitchcock "Sabotaje". Lo que se plantea aquí es que el Otro no debe saberlo todo, ya que considerar que lo sabe nos conduce al totalitarismo. El Otro está barrado, no existe como tal, la teleología del mundo o de la historia es una ilusión. Otro tema importante de Hitchcock es la transferencia de la culpa ( como señalaron Rohmer y Chabrol). La trilogía donde esto ocurre es que cuando el sujeto se encuentra en un determinado lugar en el campo de las relaciones sociales se convierte en un inocente que debe cargar con la culpa del otro. Las tres películas son : "Extraños en un tren", "Yo confieso" y "La soga". No es una característica propia sino algo externo, una contingencia que no es provocada por el sujeto. Para Hitchcock, como para Lacan el "Inconsciente está fuera", es algo externo en cierta forma. Son estas contingencias externas las que acaban determinando el lugar que ocupamos. En las películas de Hitchcock el amor es algo que aparece súbitamente de la nada. Hay algo mágico que se transfiere al sujeto y que le deja atrapado por el amor, como comprobamos en "Vértigo" o en "Los pájaros". En "Vértigo" aparece la mujer como síntoma del hombre y La Mujer como su complemento tampoco existe.El tema de la fantasía es importante. El objeto sublime es cualquiera, la sublimación es desplazar el deseo a un objeto cualquiera, que solo se dignifica en relación al lugar que ocupa en nuestra fantasía. En el caso de "Vértigo" es como si hubieran dos muertes, dos pérdidas de Madeleine. El abismo al que mira finalmente Scottie es el agujero en el Otro, ocultado por la fantasía. 
 El siguiente artículo es "La mancha hitchcockiana", Mancha es lo que, siguiendo a Lacan, refleja nuestra propia mirada en lo que vemos. Siempre hay una mancha porque nosotros formamos parte de lo que observamos : no estamos fuera. Lo cual quiere decir que hay elementos que están presentes en todas las películas del director. Uno es que en sus películas, en muchas de ellas, una situación normal, natural, familiar se vuelve siniestra. Aparece con un detalle algo que la convierte en amenazante y terrorífico. Hay todo un análisis de "La ventana indiscreta", que muestra como el protagonista transforma su impotencia en el poder de la mirada. Porque es como si el protagonista un marco para una fantasía que le permita salir de su atolladero, que es la falta de deseo.  Tenemos también el problema de la identidad, entendido como falsa identidad : "Con la muerte en los talones", "El hombre que sabía demasiado" y, por supuesto, "Vértigo". Tenemos finalmente el tema de la falta del padre y sus sustitución por un superyo materno. Es la presencia de una madre tiránica que obstaculiza la relación sexual : "Los pájaros", "El hombre que sabía demasiado", "La ventana indiscreta"). Hay igualmente todo un análisis sobre el traveling como una manera propia de acercarse a los planos. Traveling que a veces retarda y aveces acelera, que a veces va de arriba a abajo o de abajo hacia arriba. 
 El último capítulo se llama "Pornografía, nostalgia y montaje" : una triada de la mirada." Parte de una definición d
lacaniana de perversión : consiste en negar la división constitutiva del sujeto. El sujeto sádico, en realidad se identifica con la víctima y quiere ser el objeto de goce del Otro. En el caso del Sade el Otro es el Mal y en el de Kant es el Bien ( Kant con Sade, cara y cruz de la misma moneda). Entrando en la pornografía podemos decir que revela todo lo que se puede revelar, lo registra todo, no oculta nada. Pero precisamente por esto la sustancia del goce está totalmente perdida. Porque el espectador no es el sujeto sino el objeto de la mirada del otro, que son los actores, que son los que le contemplan para ver si se excita. No hay diferencia entre visión y mirada, no se puede mirar al sesgo. En la pornografía, además, no se mantiene el equilibrio entre la narración y la sexualidad. es una historia tonta que sirve como pretexto. El polo opuesto es la nostalgia, cuyo ejemplo es el cine negro americano. Aquí hay una fascinación porque nos identificamos con la mirada perdida del espectador de los años 40. También aquí se oculta la antinomia entre la visión del sujeto y la mirada del objeto. La propuesta de Žižek pasa por el montaje hitchcockiano. Lo que hace es producir a partir de fragmentos de lo real una narración cinematográfica. Hay siempre algo que sobresale, una especie de excedente, un objeto-mancha que vemos como si vieramos su mirada. Esta si es una mirada al sesgo que nos permite ver más de lo que vemos. 




domingo, 5 de junio de 2016

TRES RECUERDOS DE MI JUVENTUD




 Escrito por Luis Roca Jusmet  

Arnaud Desplechin dirige esta extraordinaria película francesa. Un inteligente guión, escrito por él mismo y Julie Pyer, le permite desplegar una singular historia que produce la rara sensación de ver algo nuevo. Es una película original, en el buen sentido de la palabra, es decir sin pretender serlo. Cuando acaba la película, al cabo de dos horas, he tenido la impresión de que ni siquiera había pasado la mitad del tiempo. Te atrapa de tal manera que no hay un solo momento en que baja el interés y la atención. Un auténtico placer para el cinélifo y una oportunidad de disfrutar del buen cine francés. El actor Mathieu Amalrich ( a quién vimos, entre otras, en "La Venus de las Pieles" de Polanski) borda su personaje. Acompañado por un buen elenco de jóvenes actores, muy a la altura de sus personajes.

 Filosóficamente me interesan varias cuestiones planteadas en la trama de la película. Uno es el tema de la identidad. La fragilidad de la identidad personal hecha, como decía Hume, a base de la imaginación y la memoria, es decir del recuerdo. El yo no deja de ser un relato que nos hacemos a nosotros mismos, una hilvanación de recuerdos. Y lo que nunca se olvida es lo traumático, por lo que siempre hay algo de dramático en nuestra historia. La historia de la duplicidad del pasaporte es una excelente metáfora para esta idea de la personalidad como ficción. Pero una ficción que se basa, por supuesto, en la consistencia del cuerpo. Somos, podríamos decir, un cuerpo que se da significaciones a sí mismo, al mundo y a los otros a partir de sus recuerdos. 
 La película es también una historia de como las constelaciones familiares condicionan y casi determinan nuestra propia vida, de como vamos arrastrando los conflictos y el dolor de las generaciones anteriores.
 Es asimismo una historia de amor entendido como la búsqueda de lo imposible, de una fusión con el otro que nunca puede darse. Y de como este exceso puede llevar a su explosión.
 Queda decir, por supuesto, que hay aquí toda exposición de las etapas de la vida que van de la infancia a una supuesta madurez que nunca es tal. De como vamos atravesando la infancia y pasando a la adolescencia y de esta a la juventud y finalmente a la adultez de una manera discontinua, de cuestiones pendientes sin resolver y de heridas que nunca acaban de cicatrizar.
 La música, que va de la clásica al rap nos envuelve de una manera muy intensa en esta película hecha con sensibilidad, lucidez y capacidad narrativa.

miércoles, 18 de mayo de 2016

EL PUENTE DE LOS ESPIAS



 Escrito por Luis Roca Jusmet

  Con un director como Steven Spilberg y un protagonista com Tom Hanks sabemos, ya de entrada, que estamos hablando de buen cine. De buen cine para mayorias, además, que no es poco. Película muy recomendable, interesante y muy bien realizada
 Una vez dicho esto voy a entrar en unos puntos que a mçi me han resultado especialmente sugerentes. Uno es que la pelicula ejemplifica muy bien unas reflexiones que un filosofo al que por cierto le interesa mucho el cine,Slavoj Žižek. Este filósofo insiste en algo que experimentó cuando vivía en la Yugoslavia comunista. Era que todo el mundo, empezando por los gobernantes, hacían como si se creyeran los presupuestos ideológicos que formalmente defendían. Como cuando alguién se lo creía de verdad, entonces le trataban como un disidente. Esto es lo que ocurre con el abogado de la película. También que detrás de la ley hay una parte oscura, violenta, que en el caso del liberalismo se manifiesta como nacionalismo. El enemigo del país debe ser eliminado sin contemplaciones, este es el mensaje.
 Pero es además una película muy humana, en el mejor sentido del termino. Los personajes, con sus luces y sus sombras, respiran humanidad. Históricamente también recoge un momento tan interesante como terrible, el de la guerra fría y la construcción del muro de Berlín. 
 Finalmente toda una lección sobre la negociación política, sobre los riesgos que vale la pena asumir y el arte que hay que desplegar, muy lejos de ser una técnica de manual y muy cerca de la sabiduría vital, de la firmeza y de esta virtud de la que antes hablábamos : la humanidad.

domingo, 1 de mayo de 2016

JULIETA





 Escrito por Luis Roca Jusmet

 Con Pedro Almodóvar pasa como con Woody Allen. Tiene sus incondicionales y sus fóbicos. Yo no sestoy ni entre los unos ni entre los otros, en ambos casos, y creo que han realizado desde grandes películas ( sobre todo Woordy Allen) hasta otras muy flojas. Muchos estarán de acuerdo y así como hay consenso en algunas, en otras hay mucha polémica. Estamos frente a uno de estos casos, con críticas muy polarizadas en ambos sentidos.
 A mí me ha gustado. La historia me ha enganchado y plantea cuestiones muy interesantes. La dirección de Almodóvar me parece de alto nivel. Adriana Ugarte y Emma Suárez son las protagonistas del personaje principal de la historia, Julieta ( de joven y de madura).
 Este drama o tragedia moderna. Porque esta es la cuestión. En la tragedia lo que ocurre está tejido por el Destino y todos los actos son inevitables. En el drama son los propios actos humanos, contingentes y por tanto evitables, los que desencadenan lo mortífero.
 Slavoj Zizek plantea una paradoja. Cuando vemos una película en la que el tiempo transcurre de manera lineal : al acabar la película todo lo anterior adquiere el sentido de preparación para el final. Todo lo que ocurre va preparando necesariamente el final. Pero si la película ocurre en sentido temporal inverso entonces lo anterior parece contingente. Vemos al principio el presente pero al ir viendo el pasado parece que todo podía haber sido diferente. Agustín García Calvo decía que no soportaba las novelas porque había un desenlace y la vida no era sí. El tiempo no es real, las cosas ocurren y las colocamos en orden sucesivo para no hay ni principio ni final en sentido narrativo.
 Lo que ocurre en la película combina la conciencia de contingencia con la de tragedia. Contingencia : podía no haberse levantado cuando llega el desconocido al tren, Podía no haber coincidido con Xoan, podía no haber recibido la carta, podía haberle no esperado y coger el autobús, Xoan podía no haber salido a pescar... Pero al mismo tiempo todo adquiere aire de tragedia ( que se refuerza con las referencias mitológicas de la protagonista) y todo parece tejido para la tragedia de la muerte de Xoan y todas sus consecuencias devastadoras. El tema de la madre es, sobre este fondo,el elmento nuclear de la historia.
 El paisaje, entre las montañas de Huesca y el mar de Galicia, entre la ciudad de Madrid y el pueblo de Andalucía.

lunes, 11 de abril de 2016

" LA INVITACIÓN"




Escrito por Luis Roca Jusmet

 La directora norteamericana Karyn Kutama realiza un brillante, aunque fallido film, titulado "La invitación." Brillante es la puesta en escena, la música, la interpretación y la dirección de la película, que van tejiendo un ritmo tan intenso como retenido hasta llegar a la explosión final. Hay toda una elaboración cuidada y eficaz de la atmósfera inquietante que nos atrapa desde el principio. Pero brillante es también la presentación de los sectarios y la certeza delirante detrás de la cual tapan una existencia que no son capaces de afrontar. existencia marcada por el dolor de una pérdida o por la incapacidad de hacerse cargo de uno mismo. Certeza y obediencia, estops son los pilares de las sectas, que como han marcado algunos antropólogos a veces están muy dterminadas por coordenadas culturales. Con esto quiero decir que los grupos que entran dentro del imaginario socila dominante pueden no considerarse sectas aunque cumplan estos condicionanates, cosa que no ocurre con los que son extraños a este imaginario.
 En todo caso lo que nos presenta la película es unos sectarios que forman parte de la clase media-alta y que estaría adheridos a una religión con bases de new age, muy propio del lugar y la época ( no en vano se cita a la cientología como un grupo afín). También nos presenta a individuos frágiles, destrozados por una pérdida que gestionan como pueden. 
 Pero lo que resulta fallido de la película es el móvil que mueve a los sectarios a convocar la reunión, que no explicaré aquí para no resolver el suspense de la película. No me parece creible, sinceramente. Esto es lo que no me convence de la pelcula y hace que no sea una película plenamente conseguida. Lo cual no quiere decir que no sea una película con la que pdoemos disfrutar todos los amantes del triller psicológico de suspense. Así como un material para reflexionar sobre aquello que dijo Chesterton : "Cuando dejemos de creer en Dios creeremos en cualquier cosa". Como dijo Cornelius Castoriadis contradiciendo a Aristóteles, lo que quiere el hombre no es la verdad sino la creencia, la voluntad es así más de autoengaño más que de lucidez. Triste y peligrosament


 Karyn Kusama

domingo, 3 de abril de 2016

NADIE QUIERE LA NOCHE



Escrtito pot Luis Roca Jusmet

 La película nos explica una historia tan increíble como real. La de una mujer que a principios del siglo XX se aventura en unas condiciones totalmente adversas y peligrosa en busca de su marido, que quería clavar la bandera americana en el Polo Norte. La dirección de Isabel Coixet es buena, aunque no puede mantener la tensión dramática con que inicia el film durante toda la película. La ambientación polar es perfecta, extraordinaria la interpretación de Kinko Ricuchi y Juliette Binoche. 
 Lo que me sugiere la película es, de entrada, la ejemplicación de lo que Jacques Lacan formula como un "no ceder en el deseo". Es decir la lectura que hace de la afirmación de Freud en sentido inverso al que normalmente se le da. Así, es el yo el debe adaptarse al ello. El caso paradigmático que cita es el de Antígona, el deseo de enterrar a su hermano está por encima del bien y del interés.
Aquí, tanto Josephine como su marido Robert no ceden en el deseo. Contra viento y marea, contra cálculos y razones. Robert no cede a este deseo y lo consigue. Y Josephine también. Como dice Zizek el imperativo categórico de Kant también expresa el deber como deseo. Un deber que puede ir contra todo, que puede tener consecuencias nefastas para uno mismo y para los otros pero que se mantiene de manera implacable.
 Es interesante el epílogo de la película. Josephine conseguirá realizar su deseo pero no olvidará nunca el precio que ha tenido. Un niño muerto, un mujer joven muerta, dos exploradores muertos. Este es el precio : el no ceder a este deseo arrasa con los otros. Es decir que hay algo de absolutamente egoísta en este imperativo. 
 Otra cuestión interesante es el de la travesía del desierto que presenta la película. Dos mujeres enfrentándose de manera heroica a la fuerza de la naturaleza. Por amor.
 Finalmente como es posible tejer una relación solidaria, una comunicación humana profunda entre dos personas con valores culturales radicalmente diferentes.

sábado, 5 de marzo de 2016

EN UN MUNDO MEJOR



Escrito por Luis Roca Jusmet

Extraordinaria película danesa, ampliamente premiada, dirigida por la directora danesa, formada en el grupo Dogma 95, Suzanne Bier. Protagonizada por unos excelente actores, el primero de los cuales es el actor sueco Mikael Persbrandt. La excelente música ayuda a crear un ritmo narrativo que te atrapa desde el comienzo al final de la película. Pelicula con un título tajante ( "Venganza") traducido de manera totalmente inoportuna por este edificante "En un mundo mejor".
 Podría decirse de ella que es una película sobre la vida y la muerte. Pero no es este el único contraste en que se desarrolla la trama de la película. la oposición entre niños y adultos, entre en Primer y el Tercer Mundo, entre el amor y el odio. Estos contrastes, múltiples y permanentes son los que tejen la trama en que se desarrolla la película. Tensiones y  conflictos que atraviesan de manera permanente a los protagonistas  hace que no haya para los protagonsitas una sola zona de confort. 
 Una película que es también sobre el mal. El mal que aparece en la violencia gratuita, arbitraria. La violencia en su inevitable presencia y unos personajes que luchan por gestionar la suya y la propia de la mejor manera posible. Violencia que siempre acaba desbordando a los humanos, por mucho que quieran negarla, controlarla o evitarla.

lunes, 22 de febrero de 2016

MI CASA EN PARÍS



 Escrito por Luis Roca Jusmet

 Lo difícil de una buena película es saber mantener el ritmo y además aumentar progresivamente el interés. "Mi casa en París" lo consigue de una manera sorprendente. Empieza con un estilo de comedia que nos permite esperar una historia entretenida, con buenos actores y una dirección eficiente. Pero es mucho más que esto, porque a partir de una historia que de entrada resulta sencilla, con unos personajes que de parecen muy previsibles se van tejiendo toda una serie de cuestiones que son, en definitiva, las fundamentales de la vida. Casi podría decir que la historia me lleva de Spinoza a Lacan y viceversa.
 Por una parte trata sobre la necesidad de superar las pasiones tristes, que como dice Spinoza, solo es posible conseguirlo cuando somos capaz de distanciarnos de ellas, cuando dejamos las ideas inadecuadas que nos producen tristeza y resentimiento. El protagonista, Mathias, odia a su padre y a su madre porque, en esto también seguimos a Spinoza, son las causas de su tristeza, de su fracaso vital, de su impotencia. Solo cuando es capaz de ver con distancia que su madre se suicida por su impotencia y que su padre sostuvo como pudo las contradicciones de su vida, solo cuando es capaz de romper la cadena y querer vivir según su deseo, solo entonces la alegría y el amor sustituyen a la tristeza y al odio. Porque, siguiendo todavía la lógica spinozista, a un afecto solo le puede otro afecto más fuerte.
 Hay en la historia toda una reflexión lacaniana sobre la herencia ( la herencia de la casa no deja de ser una metáfora de la herencia simbólica que nos dejan los padres, de la deuda simbólica que tenemos con ellos) y la necesidad de hacernos cargo, como sujeto de nuestro deseo. No podemos estar pidiendo a los padres que nos resuelvan nuestra vida, como a si a los casi sesenta años todavía fuera responsabilidad suya. Todos los padres fallan ( o por defecto, o por exceso) y madurar, hacerse adulto es entender que somos nosotros los únicos responsables de nuestra vida. Que el Otro no nos la resolverá. Hay escenas duras pero sin dramatismos.
 Israel Horovitz borda el guión y la dirección de la película, los actores están excelentes y la música de Mark Orton genial.

domingo, 7 de febrero de 2016

CAROL


Escrita por Luis Roca Jusmet

 "Carol" es una película bien realizada, bien interpretada, con un buen guión y una fotografía extraordinaria, que crea una atmósfera estética mágica, que te atrapa. "Carol" trata sobre el lesbianismo y su rechazo desde las convenciones sociales de los años 50.
 Pero lo que me resulta interesante filosóficamente de la película no es esto último. Lo que me interesa es el tema del amor y del deseo, y ello más allá del tema de la homosexualidad, masculina o femenina.
 Primera cuestión a partir de la famosa canción de los Panchos decía : Si tu me dices ven, lo dejo todo. Carol le dice a Therese dos veces que vaya con ella. La primera vez lo deja todo porque no tiene nada y se abandona al Otro ( al que desea pero de manera sumisa). Cuando el Otro le deja queda casi devastada. pero con este casi es capaz de recomponerse a partir de su deseo : ser fotógrafa. Aunque frente a la segunda petición primero se resiste luego entiende que ahora está en otra posición. No lo deja todo, deja solo lo que no le interesa porque quiere al otro, a Carol. Es una relación de sujeto a sujeto, no de sujeto a objeto.
 Segunda cuestión : el conflicto entre el amor y el deseo. El amor de madre que exige sacrificar el deseo a Carol. Como dice ella, renunciar a su naturaleza. Su naturaleza no es solo la de su deseo homosexual hacia Therese, es la que lo que ella quiere ser, que un ser autónomo y no una madre de familia. Al final entiende que sacrificar el deseo por el amor será devastador para ella y para su hija. Hay que dejar un lugar para el amor y otro para el deseo. Ninguno de los dos puede fagocitar al otro.
 El deseo amoroso como frágil equilibrio entre deseo y amor. Este deseo sexual del otro, a quien también queremos porque el deseo no es una pura apropiación del otro sino un don, un acto generoso hacia el que deseamos pero queremos. 
 Esto es lo que me ha dado a pensar una película que aconsejo sin reservas.

domingo, 31 de enero de 2016

SPOTLIGHT



 Escrita por Luis Roca Jusmet

 Con los mass media pasa lo mismo que con el Estado. Pueden ser instrumentos del gran capital para manipular o imponer sus intereses o pueden ser medios emancipadores.
 Sabemos que los grandes periódicos están dirigidos por núcleos vinculados a las élites dirigentes pero la experiencia demuestra que hay un margen. Un margen para hacer un periodismo de investigación crítico, con medios y periodistas experimentados y con una ética personal. Esto permite ir mucho más lejos que el periodismo crítico alternativo que solo llega a los que ya están previamente concienciados. Aunque sabemos también que este periodismo tiene cada vez más dificultades en continuar.
 La película nos muestra un ejemplo de este periodismo crítico, comprometido, serio y riguroso a través de este equipo de reporteros de investigación de Boston Globe que adoptaron precisamente el nombre de "Spottigth". En 2002 pusieron de manifiesto como la pedofilia de los sacerdotes católicos había sido un fenómeno masivo en la ciudad, callado por la jerarquía eclesiástica y unos abogados corruptos. Pero lo interesante de la película, aparte de la precisión con la que se pone de manifiesto toda la investigación, es la falta de maniqueísmo. No es una película de buenos y malos. Todos tienen sus luces y sus sombras, aunque evidentemente en unos dominan las luces y en otros las sombras. Pero no es una película psicologista sino de crítica social. Lo que importa es el sistema. Importa como la represión sexual, el celibato impuesto al clero, tenga como efecto la perversión más terrible: la pederastia. Importa como se puede utilizar el poder pastoral ( que diría Foucault) para destrozar vidas al servicio del propio placer. Importa la hipocresía de una jerarquía religiosa que quiere mantener sus intereses aún a costa del sufrimiento de muchos inocentes. Importa como los abusos sexuales a niños dejan a estos destrozados para toda la vida. Importa el silencio colectivo, los que por omisión colaboran mirando a otro lado. Importa la cobardía social de no querer saber la verdad incómoda.
Importa, como contrapunto, que hay gente que es capaz de jugársela por un proyecto ético.
 La película destaca por su sobriedad. La dirección de Tom Mc Carthy excelente ( al igual que el guión que él mismo escribe con John Singer). El elenco de actores impresionantes : personajes totalmente creibles y llenos de matices.
Una gran película, no os la perdais.