LA LLAVE DE SARAH

Escrito por Luis Roca Jusmet

 La película "La llave de Sarah" me interesa filosóficamente desde una perspectiva que no es la que se suele considerar, que es la del nazismo y de la colaboración francesa con el nazismo. Para mí esta temática es solo contextual. Lo que me atrae del film es la manera como presenta lo que podríamos llamar la ética de la verdad. La historia de la periodista Julia Jarmond ( por otra parte muy bien interpretada por Kristin Sott Thomas) es para mí también secundaria, como el hilo que le atrapa con la historia que investiga y el simbolismo final del nombre de su hija.
 La cuestión que, como he dicho, me atrapa, es el tema de la ética de la verdad. ¿ Hasta qué punto la verdad es un iimperativo categórico, un deber en el sentido kantiano ? ¿ O hemos de considerar en un sentido utilitarista sus consecuencias para defenderla o no ?. Esta sería la problemática moral. Después entraríamos en la psicología.
 ¿ Hasta que punto es sostenible una existencia que niega la verdad de su propia historia ? . La historia de Sarah ( extraordinaria la niña-actriz Melusine Mayance) es la verdaderamente importante. Es capaz de soportar un terribe trauma, una trágica historia familiar que le lleva, además, a un sentimiento de culpa insoportable. Pero intenta sobrevivir negando el hecho traumático y la culpa. ¿ Es más insoportable aceptar la verdad o negarla? ¿ cuál es el precio que hay que pagar para negar un dolor y una culpa que nos acuchillan ?
 La película está dirigida correctamente por Gilles Paquet Brenner. Le falta fuerza dramática pero nos permite entrar en una historia que muestra la apasionante problemática de la verdad biográfica.

EL HOMBRE ELEFANTE

Escrito por Luis Roca Jusmet

 En el 40 aniversario de su estreno, la película recibe una restauración en formato 4K. Vale la pena recordar esa extraordinaria película de uno de los grandes del cine contemporáneo, David Lynch.
 Se trata de la narración fílmica, en un lenguaje tan sobrio ( en un impecable blanco y negro)  como expresivo, de la dramática historia de Joseph Merrick.
La maestría fílmica de Lynch queda de manifiesto en esta película que le dio la fama, muy diferente a las otras, en las que marcaría un estilo muy propio. Lo cual no quiere decir que esta no sea una película personal, porque realmente lo es y en ella queda expresada la creatividad de Lynch, siempre tan singular. La interpretación de John Hurt, en una impresionante caracterización del papel protagonista, y de Anthony Hopkins, en el papel del doctor Trevers, son antológicas. 
 La película nos traslada a varias problemáticas interesantes. La primera es el tema de la dignidad humana y la humanidad. La dignidad humana como aquello que nos corresponde en la medida en que somos humanos y reconocidos como tales. No hay dignidad sin reconocimiento y la lucha de Joseph Merrick es la de encontrar este reconocimiento. Lo cual nos lleva al lenguaje simbólico como lo más propio del ser humano, y esto lo comprobamos en el momento en que Merrick empieza a hablar, que es cuando nos presenta su rostro más humano. Pero la humanidad es también esta capacidad de reconocer al otro en su humanidad. La monstruosidad es esta falta de humanidad y de dignidad. No la tiene Merrick realmente, sino los que los tratan como un monstruo. Ellos son realmente los monstruos, en el sentido moral de la palabra.
 La película nos hace reflexionar sobre el poco margen que tienen algunos para decidir sobre su vida. La vida dolorosa y terrible de Merrick es casi totalmente infeliz. Solo saborea la felicidad cuando está en el hospital, tratado con plena humanidad. Pero es cuando va al teatro y es reconocido por el público, por los artistas, por los que están en la cúspide social, cuando Merrick es plenamente feliz. Pero no solamente por el momento en que lo disfruta sino porque este momento de reconocimiento da sentido a toda su existencia. Y el suicidio del "hombre elefante", cuando decide irse a dormir sin protección parece significar no solo que él intuye su próxima muerte sino que quiere acabar en este momento de sentido, con un final que redime su vida. Impresionante film para una impresionante historia.

LA PLAYA DE CHESIL

Escrita por Luis Roca Jusmet

  El escritor Ian McEwan se responsabiliza del guión de su reconocida novela. La cuestión presenta sus dificultades, aunque lo cierto es que no he leído la novela. Pero me parece muy interesante las problemáticas existenciales que aborda la película.
 Por una parte tenemos el tema del amor, tantas veces repetido en el cine y la literatura. Los protagonistas muestran la impotencia enfrentarse a lo que tiene siempre de imposible. El amor es algo más que cálculo, tiene siempre algo de irreductible. El amor es una elección involuntaria que nos acerca al otro más allá del interés. Es siempre un riesgo precisamente porque no es una elección calculada. es algo que nos arrastra y podemos seguirle o no. El filme presenta como se malogra un encuentro capaz de superar muchos obstáculos pero que al final se derrumba. Quizás porque la herida que los une no ha podido expresarse y se convierte en el fracaso sexual. Florence y Edward se dejan llevar por sus pasiones tristes. Él por la humillación de sentirse un amante rechazado, ella por la vergüenza o el miedo a decir su secreto ( que aparece sugerido en la película de manera tan sutil que puede pasar desapercibido por el espectador). La decisión de un momento, que es la de dejar escapar al otro, determinará fatalmente sus vidas y les conducirá a la infelicidad, aunque una acompañado del fracaso vital ( en el caso de Edward ) y otra del éxito social ( en el caso de Florence ).
 Hay que tener una cierta paciencia para valorar el filme. A la primera parte le falta algo de fuerza y de ritmo, que recupera en la segunda y concluye en una escena final muy intensa y lograda. Extraordinaria interpretación de Saoirse Ronan.

AMERICAN HISTORY X

Escrito por Luis Roca Jusmet

"American history x" es una película excepcional que se ha convertido ya hoy en un clásico de la historia del cine. Per sus extraordinarias interpretaciones ( empezando por la de Eduard Norton, claro), por su ritmo narrativo, por su consistente guión, por su música. Todo encaja en una tragedia moderna que nos aproxima a la culturas del odio de una manera tan humana como crítica. No se trata du una historia de buenos y malos, ni de los tópicos bienintencionados contra el racismo. Se trata de una historia que nos permite entender que es lo que puede llevar a un joven a las ideologías y las prácticas del neozismo. Que es capaz de mantener este equilibrio en el que explicar no quiere decir justificar. Que nos muestra como es posible esta transformación desde el odio hasta la redención. "American history x" es una película sobre la violencia que no escatima, aunque nunca de manera gratuita, en escenas de una enorme agresividad. Que nos muestra una estética de los skinheads que puede fascinarnos pero que el director, Tom Kaye en un trabajo extraordinario, no deja nunca que nos atrape. 

 Una película que es, finalmente, es un canto a la vida con todas sus ambivalencia y sus aspectos más terribles. casi diría que es una perfecta filmación de lo que nos dice Nietzsche cuando dice que hay que apostar por la vida, aceptando su lado trágico, es decir el dolor y la muerte. Aunque no hay que entender su mensaje de manera fatalista, claro, ya que nos plantea un camino político, aunque sobre todo moral, de denuncia de las ideologías de la intolerancia, de la venganza y el odio que conducen siempre a las consecuencias más nefastas.

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EL REVERENDO

Escrito por Luis Roca Jusmet

 Es sorprendente que un director y guionista tan interesante como Paul Schrader tenga una producción tan poco brillante. Muchas películas fácilmente y pocas que dejan huella. Como guionista, por supuesto, "Taxi driver", y como director "Mishima" y, sobre todo, "Aflicción". La película que nos ocupa, sin llegar a la maestría de las anteriores, me parece un filme notable. Con claras resonancias, aunque en un contexto y con un personaje totalmente diferente, de "Taxi Driver". La historia de un hombre tan inadaptado como fracasado, que va incubando un dolor y una ira sorda que necesita descargarse en un pasaje al acto. Un acto que le redima. La pulsión de muerte encaminada hacia una explosión que no solo le destruya sino que deja una marca de justicia. Pero del nihilismo de "Taxi driver" pasamos a una salvación por el amor. Pero un amor que es también una explosión pulsional que le lleva de la autoinmolación a la entrega. Todo tiene una fondo desmesurado en una narración de forma contenida.
 Estupenda interpretación de Etan Hawke, muy buena música y un guión-dirección de Paul Schader que le hacen sacar lo más singular de su estilo.

CAPITÁN FANTÁSTICO

Escrito por Luis Roca Jusmet

 El otro día tuve la oportunidad de ver, por segunda vez, esta película y me pareció todavía más espléndida que la primera. Un filme lleno de humanidad, de emoción que es, sobre todo, un canto a la libertad. Pero no un canto idealista, ingenuo, sino trágico. El hombre es finito y quiere ser libre y está condenado a morir y a no serlo. Pero puede intentarlo y en este intento hay parte de su dignidad. En el intento de ser uno mismo, de regirse por una ética propia, por unas normas elegidas, creadas por cada cual.
La imposibilidad de una pedagogía emancipadora, ya que solo podemos transmitir el Ideal que el otro, si es libre como queremos, negará. El círculo de la película es una espléndida metáfora : se inicia con una escena sobre un rito iniciático que debe servir para que el niño pase adulto que se consuma al final de la película. La película va lo más radical y de una manera imprevisible, sorprendiéndonos a cada momento.
 Georges McKay consigue con su pulso una película redonda, interesante y estimulante. Vigor Montersen y el resto del reparto bordan los personajes. Una película que no hay que perderse, que poco o mucho transforma al espectador.

EL PUENTE DE LOS ESPIAS

 Escrito por Luis Roca Jusmet

  Con un director como Steven Spilberg y un protagonista com Tom Hanks sabemos, ya de entrada, que estamos hablando de buen cine. De buen cine para mayorias, además, que no es poco. Película muy recomendable, interesante y muy bien realizada
 Una vez dicho esto voy a entrar en unos puntos que a mçi me han resultado especialmente sugerentes. Uno es que la pelicula ejemplifica muy bien unas reflexiones que un filosofo al que por cierto le interesa mucho el cine,Slavoj Žižek. Este filósofo insiste en algo que experimentó cuando vivía en la Yugoslavia comunista. Era que todo el mundo, empezando por los gobernantes, hacían como si se creyeran los presupuestos ideológicos que formalmente defendían. Como cuando alguién se lo creía de verdad, entonces le trataban como un disidente. Esto es lo que ocurre con el abogado de la película. También que detrás de la ley hay una parte oscura, violenta, que en el caso del liberalismo se manifiesta como nacionalismo. El enemigo del país debe ser eliminado sin contemplaciones, este es el mensaje.
 Pero es además una película muy humana, en el mejor sentido del termino. Los personajes, con sus luces y sus sombras, respiran humanidad. Históricamente también recoge un momento tan interesante como terrible, el de la guerra fría y la construcción del muro de Berlín. 
 Finalmente toda una lección sobre la negociación política, sobre los riesgos que vale la pena asumir y el arte que hay que desplegar, muy lejos de ser una técnica de manual y muy cerca de la sabiduría vital, de la firmeza y de esta virtud de la que antes hablábamos : la humanidad.

SPOTLIGHT

 Escrita por Luis Roca Jusmet

 Con los mass media pasa lo mismo que con el Estado. Pueden ser instrumentos del gran capital para manipular o imponer sus intereses o pueden ser medios emancipadores.
 Sabemos que los grandes periódicos están dirigidos por núcleos vinculados a las élites dirigentes pero la experiencia demuestra que hay un margen. Un margen para hacer un periodismo de investigación crítico, con medios y periodistas experimentados y con una ética personal. Esto permite ir mucho más lejos que el periodismo crítico alternativo que solo llega a los que ya están previamente concienciados. Aunque sabemos también que este periodismo tiene cada vez más dificultades en continuar.
 La película nos muestra un ejemplo de este periodismo crítico, comprometido, serio y riguroso a través de este equipo de reporteros de investigación de Boston Globe que adoptaron precisamente el nombre de "Spottigth". En 2002 pusieron de manifiesto como la pedofilia de los sacerdotes católicos había sido un fenómeno masivo en la ciudad, callado por la jerarquía eclesiástica y unos abogados corruptos. Pero lo interesante de la película, aparte de la precisión con la que se pone de manifiesto toda la investigación, es la falta de maniqueísmo. No es una película de buenos y malos. Todos tienen sus luces y sus sombras, aunque evidentemente en unos dominan las luces y en otros las sombras. Pero no es una película psicologista sino de crítica social. Lo que importa es el sistema. Importa como la represión sexual, el celibato impuesto al clero, tenga como efecto la perversión más terrible: la pederastia. Importa como se puede utilizar el poder pastoral ( que diría Foucault) para destrozar vidas al servicio del propio placer. Importa la hipocresía de una jerarquía religiosa que quiere mantener sus intereses aún a costa del sufrimiento de muchos inocentes. Importa como los abusos sexuales a niños dejan a estos destrozados para toda la vida. Importa el silencio colectivo, los que por omisión colaboran mirando a otro lado. Importa la cobardía social de no querer saber la verdad incómoda.
Importa, como contrapunto, que hay gente que es capaz de jugársela por un proyecto ético.
 La película destaca por su sobriedad. La dirección de Tom Mc Carthy excelente ( al igual que el guión que él mismo escribe con John Singer). El elenco de actores impresionantes : personajes totalmente creibles y llenos de matices.
Una gran película, no os la perdais.

LANGOSTA

 Escrito por Luis Roca Jusmet

 Estamos frente a una película realmente peculiar, difícil de clasificar pero enormemente sugerente y con una gran fuerza expresiva.
 El argumento es inverosímil, pero no importa. Como metáfora vale sobre todo por la capacidad de su director de crear mundos. porque crea dos microcosmos sociales paralelos que tienen en común su carácter totalitario. Las leyes que marca la normalidad son tan arbitrarias en un caso como otro, uno es civilizado ( el Hotel)  y el otro salvaje( el Bosque) , pero en ambos no hay margen para la libertad individual ni tampoco para el amor. En el mundo en el que está prohibida la soltería tampoco hay margen para el amor. Todo está tan reglamentado que no puede aparecer una atracción real, basado en lo que Jacques Lacan llamaba el rasgo unario de cada persona, aquello que lo singulariza y a partir de lo cual puede aparecer una atracción real. 
 En el mundo donde está prohibido el amor tanto hay soledad porque también está tan reglamentada que uno no puede estar consigo mismo. Y no deja de ser una reflexión sobre las normas sociales en un mundo deshumanizado, Sobre el amor y sobre la soledad que nos permiten ser lo que somos, diferente de lo que nos imponen. El protagonista no es un héroe pero se resiste a esta vida reglamentada y no se adapta a ninguno de los dos mundos. Parece que la Ciudad es un tercer mundo, anónimo, en el que podrá sobrevivir, no ya solo sino con su amada. Aunque tenga que mutilat su cuerpo para hacerlo.
 El directo y co-guionista es un griego, Yorgos Lanthimos
realiza su primera película en inglés en esta coproducción franco-británica. Lanthimos es un director muy creativo, muy personal, capaz de dar una atmósfera singular a toda la narración.
 Colin Farrell está perfecto en el papel de David, el protagonista. También Rachel Weisz y el resto del reparto dan la talla para crear este extraño ambiente en que discurre la trama.

SHAME ( VERGÜENZA )

Escrito por Luis Roca Jusmet

El arrepentimiento no es una virtud, o sea, no nace de la razón ; el que se arrepiente de lo que ha hecho es dos veces miserable e impotente.

Spinoza

Ayer vi la película "Shame" (2011) dirigida por Steve McQueen y protagonizada por Michel Fassbender y Caren Mulligan. La película está muy bien realizada y la interpretación de los dos dos protagonistas es magnífica. Los planos son largos y la película presenta, a pesar de lo fuerte de algunas escenas, una gran sobriedad. Poco efectismo y mucha emoción contenida en un ambiente metálico.

Pero no soy crítico de cine. Lo que me interesa de las películas, más allá del placer estético, es lo que plantLa Generalitat gobernada durante años por CiU intentó marginar al máximo el castellano y conseguir que la educación y la lengua de las instituciones fuera únicamente el catalán. Se potenció un desprecio hacia el castellano y los que hablaban castellano. Paradójicamente la lengua dominante a nivel de empresas fue el castellano.ean. El tema aparente de la película es el de la adicción sexo. Pero no nos engañemos, la adicción es un síntoma. El título de la película es vergüenza, no adicción.

¿ Qué es la vergüenza ? En castellano la palabra tiene dos significados relacionados pero diferentes. .Por un lado la vergüenza es una emoción que te inhibe porque la mirada del otro te bloquea. Siento vergüenza de decir algo porque no me atrevo a decirlo o ha hacerlo. Por otro lado la vergüenza de sí es la el poco respeto hacia uno mismo, el desprecio de sí, incluso el odio de sí. No utilizo la palabra autoestima porque me parece confusa. ¿ Que quiere decir quererse a uno mismo ?.Los llamados bordelines son muy narcisistas y se desprecian a sí mismos. Los vanidosos tienen la autoestima demasiada alta por lo que su autoestima es excesiva: ¿ deben quererse menos ?. Prefiero la palabra respeto hacia uno mismo. La vergüenza, en el sentido de la película y de su título inglés (Shame) es la falta de respeto por uno mismo.

BLUE JASMINE

Escrito por Luis Roca Jusmet

El papel de Woody Allen en nuestro ( aquí que se incluya quien quiera) imaginario es inmenso. Woody Allen ha estado presente durante más de cuatro décadas de muchos espectadores apasionado del cine. Sus primeros films me hicieron reir y de ellos recuerdo especialmente "Tomas el dinero y corre". Director, guionista y actor que ha despertado filias y fobias. En algunos casos, como el mío, predomina la filia, aunque algunas películas suyas me parecen muy flojas ( como "Vicky Cristian Barcelona"). Para mí su mejor película sigue siendo "Delitos y faltas".De las dos últimas vi solo una, que me gustó bastante, "Mignigth in París". De  la última, "A Roma con amor" simplemente pasé siguiendo mi intuición negativa.

 "Blue Jazmine" trata de varios temas. Por un lado de las clases sociales o, mejor dicho, de la distinción de clases. No es solamente la manera de vestir y de hablar. No es solo la imagen corporal : son los gestos, la voz, la mirada.Pero frente a la hipótesis de la reproducción de las clases sociales Woody Allen introduce un elemento que lo complica. Jazmine representa el estilo de la clase alta y su hermana Ginger el de la clase baja. El artificio es que las dos dos hermanas adoptadas. En referidas ocasiones se plantea que su diferencia es genética. ¿ Hay un elemento constitucional, genético, que marca un cierto estilo de la persona ?

LA GRAN BELLEZA

 Escrito por Luis Roca Jusmet

 Esta película hay que situarla en la que podríamos llamar la tradición felliniana. Por una parte es una película sobre Roma. Los paisajes urbanos de Roma, lo más sutil combinado con lo más hortera. Película también costumbrista, centrada en la manera de vivir de una determinada clase social. Esta clase social podríamos definirla como un sector de la clase alta y media alta vinculada al mundo artístico e intelectual. El retrato es implacable, porque nos enseña sin concesiones lo que su director describe como "las aventuras intelectuales que no conducen a ninguna parte". La vida intelectual como el "bla, bla, bla" que nos evade del mundo real, que nos permite refugiarnos en las ilusiones de la retórica. Hablar para engañarnos y engañar, como nos muestra Jep Gambardella cuando desenmascara a su amiga Viola. Un mundo lleno de oportunistas que se enriquecen a costa de los incautos que van de cultos. Como decía Chesterson "Cuando dejéis de creer en Dios creereis en cualquier cosa". Pero la Iglesia continua presente, por supuesto, en la Roma de nuestros días. Con sus jerarcas espiritualmente degradados que se interesan más por la cocina que por la salvación de las almas. Jep Gambardella, en la cúspide de este grupo, se ha transformado en un escéptico que observa sin compasión pero con afecto el mundo vacío del que forma parte.
 Pero es una película que funciona también en otro registro, el de la reflexión sobre el sentido de la vida.

THE DEEP BLUE SEA

Escrito por Luis Roca Jusmet

Sigo con la invitación de Deleuze de considerar el arte, en este caso el cine, como un bloque de sensaciones que transmite ideas. Volvemos a los perceptos y a los afectos. El percepto : unas imágenes oscuras, nocturnas, con poca luz; un pasado, presente y futuro que se mezclan; una música conmovedora, desde la clásica hasta las canciones populares. Y una historia : una mujer deja a su marido, un juez, y una buena posición social, para irse a vivir una relación sin ningún futuro en un entorno de escasez con el hombre que ama. El director y guionista , Terence Davies, hace un excelente trabajo. La protagonista Rachel Weisz realiza una interpretación extraordinaria.

CALVARY ( CALVARIO )

 

 

 

"Calvary" es una película irlandesa muy singular, que la verdad es que me ha impresionado. De su director, John Michael McDonagh, ya había visto otra película que me gustó, "El irlandés". No tienen demasiado que ver, aparte de contar con la magnífica interpretación de Brendan Gleeson, dando vida y credibilidad con su potente interpretación a dos personajes bien diferentes. 

 La película combina la crítica social, el trhiller, el costumbrismo y problemáticas existenciales varias. La denuncia sin concesiones a los abusos sexuales del clero irlandés sacude al espectador. El ritmo de suspense que impone el desarrollo de una semana de la vida del protagonista y su entorno está muy conseguido. El retrato, bastante tragicómico, de estos personajes que habitan este pueblo irlandés mantiene en todo momento el interés por los personajes.

 Los problemas filosóficos que plantea la película son interesantes. Por una parte el tema del significado de la vida. La lucha diaria de los personajes parece ser la de dar un sentido a sus vidas. Pero es sobre todo el tema de la maldad, la reparación y el perdón. Actos de maldad que destrozan vidas. Maldad sin fisuras, actos terribles por puro placer escudándose en la confianza que da una determinada autoridad. Maldad cuyos daños son irreversibles. Parece como si lo que explica el cirujano del niño que se queda sordo, ciego y paralítico después de una operación fuera una metáfora de como se quedan estos niños después de los abusos continuados de un cura. ¿ cómo encontrar la reparación de los daños que producen esta devastación ? El portagonista apunta el perdón ,pero el mismo es víctima de la reparación contraria : redimirse del mal actuando contra el bien. La imagen final de la película, de todas maneras, parece apuntar a la victoria del perdón.

 Pero me gusta mucho que la película no sea moralizante y que deje tantas preguntas abiertas.

 

EL AÑO MÁS VIOLENTO

Escrito por Luis Roca Jusmet

 Sin ser una película de la mafia la situaría en la noble tradición de las películas sobre el tema de Coppola ( "El padrino") o Sorsesse ("Uno de los nuestros"). Cine potente, duro, sobrio en el que se manifiestan problemáticas casi shakespearianas. Problemáticas que hacen referencia, sobre todo en este caso, al drama más que la tragedia. Drama porque los personajes se enfrentan a las decisiones que determinarán el futuro. El futuro depende de nuestras decisiones, aquí está lo grave, lo dramático de la cuestión. Pero lo bueno es que los personajes no dramatizan, viven el drama de manera contenida, con la fuerza del control. Perder el control es, justamente, el origemn del desastre.
 J. A. Chandor es un gran director, un excelente director. Leo que hay que considerarle un discípulo de Sidney Lumet. Es posible. Pero tiene un estilo propio. Había visto antes una película suya, Margin Call, que  me pareció una crónica muy lograda sobre las conductas guiadas exclusivamente por la codicia de las gentes de Wall Street. 
 El año más violento es una película, en un contexto singular, de la ética kantiana. la ética kantiana es una ética de principios basada en la dignidad y el respeto. No se trata de ser altruista, ni compasivo. Tampoco de valorar las consecuencias de tus actos para decidir en cada momento lo que es mejor o peor. Se trata de elegir siempre el camino correcto, como dice el protagonista de la película. Porque si no sigues el camino correcto lo que consigues no tiene valor. Es el deber por encima de todo, deber que dignifica lo que haces y que te hace respetar a tí mismo y lo que haces. "No tenéis respeto por lo que hacéis" es otra de sus frases.
 Es muy interesante ver a este hombre, con pinta de mafioso italiano ( aunque es hispano) encarnar esta ética del deber. En medio de violencia y corruptelas, de mafiosos y delincuentes, él se niega a seguir el juego. No puede hacerlo porque si lo hace todo su mundo, todo lo que quiere, pierde su valor. Porque entonces dejaría de respetarse a sí mismo y no podría exigir respeto de los otros.

LOS SECRETOS DEL CORAZÓN

 Escrito por Luis Roca Jusmet


  La vida es dolor es el mensaje fundamental de la filosofía de Schopenhauer.  El dolor es algo que sentimos los humanos. Lo sentimos como emoción y lo sentimos como sensación. La diferencia entre sentimiento y sensación es que el primero es más interno y el segundo más externo. Pero como explica el gran neurocientífico Antonio Damasio en los dos casos los sentimos de manera consciente, como algo propio. Ambos son corporales, pero los transformamos en mentales en el momento es que se convierten en una idea consciente y en una expresión lingüística. No solamente sentimos dolor sino que además somos conscientes de que nosotros somos los sujetos. Somos, a diferecnia de los animales, sujetos del dolor. A veces se confunde el sufrimiento con el dolor, pero se puede marcar una diferencia radical. El dolor es punzante, grita. El sufrimiento es sordo, silencioso. El sufrimiento se soporta, el dolor puede ser insoportable por su intensidad.
 El otro día vi una buena película sobre el dolor, que se llama Secretos del corazón. Trata del dolor provocado en unos padres por un hijo muerto, un niño de siete años. La madre de la protagonista también perdió a su hijo, un heroinómano de treinta años. La hija le pregunta a su madre si alguna vez el dolor desaparece y la madre dice que no, que nos acompaña hasta la muerte. Lo que cambia es la manera como nos acompaña, dice.
 La película está dirigida por John cameron Mitchell y protagonizada por Nicole Kidman y Aaron Eckarth

LUCKY

 Una película sudafricana desgarradora y conmovedora. Lucky es un niño zulú de 10 años que abandona su pequeña aldea sobre la tumba de su madre muerte para realizar el ideal que ella le transmitió : ir a la escuela.
 En este drama se presentan muchas cuestiones interesantes. Todo ello en el marco de una Sudáfrica que no realizó el sueño de Mandela, que vive en los contrastes y cuyos habitantes parecen, en su inmensa mayoría, sobrevivir con dificultades de todo tipo. Profundas desigualdades, pobreza, marginación y un ambiente general de tristeza es lo que captamos de este universo. Los niños delincuentes son una imagen atroz de lo peor de este mundo.
 Aparece sobre todo el tránsito del niño al adulto, la odisea de encontrar un lugar en un mundo que no nos lo facilita. La necesidad del niño de tener una referencia pero también la necesidad de libertad. El niño quiere salir de su pequeña y cerrada comunidad, no acepta renunciar a su libertad a cambio de seguredad. "Somos lo único que te queda", le dicen los ancianos de la aldea. Pero el niño tiene un impulso más fuerte que le lleva a salir, a buscar este nuevo horizonte que le trazó su madre. La valentía, la fortaleza ( la resilencia diríamos hoy) de este niño capaz de superar las dificultades e incluso la seguridad que le brinda su nueva protectora. Esta nueva protectora es Padma, un india anciana que lo tiene todo en contra para acogerlo, desde sus  prejuicios contra los negros. hasta sus rígidas costumbres y el inconveniente añadido de hablar en idioma diferente. Pero más allá de todo esto, lo que se crea entre ellos es un vínculo de amor, que surge a partir de algo real, indefinible, que está por encima de las propias barreras culturales. 
 Los hombres negros que aparecen, por otra parte, son personajes casi devastados. Desde el tío, un hombre débil y amargado, que esconde detrás de su traje una tremenda miseria moral. El taxista, que parece de entrada incapaz de moverse por algo que no sea la supervivencia, va sacando su parte más noble. Es contundente cuando le dice al niño lo que significa pasar de niño a hombre : entender que los alumnos mienten. Aceptar las limitaciones propias y dejar caer al Otro. Lucky quiere sostener a su madre como este Otro perfecto, sin fisuras. Niegan todo lo que le dicen de ella. Pero aceptar que los alumnos mienten quiere decir aceptar que todos son imperfectos, hasta los que teníamos más idealizados. Y a partir de esta aceptación Lucky pedirá ayuda al que fue compañero de su madre, un hombre débil como lo define. Hombre del que no sabemos totalmente su historia pero que parece un desencantado de la lucha por el apartheid. Alguien que acaba entendiendo que lo que nos oprime no son solo sistemas externos, sino que hay algo en los hombres muy mezquino con lo que hay que contar.
 Y la voz, la voz de la madre. la voz como fuerza, como mensaje, como interpelación. La voz que casi no hay que entender porque parece que desprende algo propio más allá de lo que dice.
 El director, Avie Luthra, nos envuelve en una historia tan lejana como próxima, tan improbable como creíble. Nos emociona sacando lo más humano pero también lo más lúcido.

CIRCLES

 Escrito por Luis Roca Jusmet

  El encuentro, casual, con esta película me ha causado un gran impacto. Me parece una obra extraordinaria por su valor cinematográfico, por su humanidad, y por las cuestiones morales que plantea.
 El director serbio Srdan Golubovićnos muestra en esta película una dramática situación, consecuencia de una trágica muerte enmarcada en la Guerra de los Balcanes.
El guión de la película, escrita por el director y por melina Pota Koljevic, está basada en hechos reales. En la película se mezclan varias historia que se enlazan con un hecho que pasa quince años en la localidad bosnia de Trebinje. Los acontecimientos, que no se hacen explícitos hasta el final de la película pero que se van intuyendo como trágicas, se desencadenan por una contingencia que tiene un carácter paradójico. El soldado serbio Marko compra dos cajetillas de tabaco, después de visitar a su novio después de unos días de ausencia, a su amigo musulmán Haris. Está con su amigo Nebojsa cuando ve que otros tres soldados serbios están dando una paliza a Haris, precisamente porque no les puede proporcionar la cajetilla que le pedían, que es el mismo que había proporcionado a Marko. Marko se levanta e interviene para parar la agresión. Acaba la escena con la mirada desafiante  de Todor, que es el que lleva la voz cantante.
 Quince años más tarde se cruzan tres historias, que hemos de ir deduciendo la relación que tienen con lo que ocurrió en Trebinje. las historias ocurren en tres escenarios diferentes. En la misma Trebjne un joven quiere trabajar con un viejo que reconstruye una Iglesia. Este se niega por algo que le hizo su padre. El joven insiste y en este tira y afloja vamos entendiendo parte de la tragedia inicial.
Entendemos que Marko murió. que el viejo es su padre y que el padre del chico tuvo algo que ver con esta muerte.
 El segundo escenario es en Alemania, adonde se ha trasladado Haris, que se ha casado con una enfermera con la que tiene dos hijos. Llega una mujer con un niño pequeño y se crea a partir de aquí un clima de inquietud, que vamos viendo como acabará de forma dramática. hay una deuda de Haris con esta mujer, que identificamos por su físico con la novia de Marko. le pide asilo huyendo de Serbia de un marido agresivo. la llegada de este hombre al domicilio de Haris, que está ausente, es un ejercicio perfecto de como crear un clima de terror sin que ocurra aparentemente nada.
  La tercera historia transcurre en Belgrado. Todor está grave y el único médico que puede operarle es Nebojsa. Sabemos que Todor hizo algo terrible y Nebojsa no puede perdonarle.
Se encuentra frente al dilema moral de si operarle o no.
 La trama de los personajes es muy compleja y el director demuestra una maestría admirable para mantener lo que da título a la película, los círculos que vienen a ser las ondas que han provocado la tragedia, que se muestra al final de la película con la muerte violenta de Marko por la agresión de Todor y sus acompañantes.La muerte de Marko continúa resonando en las vidas de todos estos personajes que tuvieron que ver con él y con el acontecimiento. Pero no únicamente es una resonancia emocional sino también de hechos. Continúan sus consecuencias, en algún caso dramáticas.
 El problema filosófico de la película es el de la responsabilidad moral. Todo parece claro, de entrada. la responsabilidad es de Todor, en primer lugar, y de sus compañeros, que le siguen en la agresión. Es un acto de violencia gratuita, desmesurada, por el puro goce de la humillación del otro. Pero luego vamos viendo la complejidad de las responsabilidades. Haris parece que necesita volver a ser goleado, agredido, para redimirse de su culpa. ¿ Cuál es su culpa ? Escapar corriendo aprovechando la intervención de Marko. Esta acción desesperada, impulsiva, acaba desencadenando una tragedia peor de la que se anunciaba, en el que la víctima es Marko. El padre de Marko, por otra parte, no quiere venganza. Dice además que uno de los que intervinieron con Todor era buena persona. Que no eran ellos el problema. Remite, por supuesto, al odio y la violencia desencadenada por líderes serbios contra los bosnios. ¿ Es un cabrón irremediable Todor, como le dice Nebojsa cuando el primero le dice que ya pagó por lo que hizo y no está arrepentido porque el responsable fue Marko al meterse donde no debía ? ¿ Es entonces Marko responsable de lo que pasó Todor a consecuencia de la tragedia ? ¿ es también responsable Nebojsa porque fue un cobarde y no hizo nada, como todos los que estaban allí, para evitar el desastre ? Pero la clave la da el padre. Todo ello ( la tragedia y todos los círculos mortíferos desencadenados) para NADA.
Este es el sentido de la guerra y toda la devastación que genera. Su absurdidad,
 La película desprende también una humanidad contenida, seca, real. nada de sensiblerías. Los personajes son duros y asumen sus actos. El padre del muerto acaba acogiendo al hijo del que mató a su propio hijo. Haris es capaz de encajar una paliza para saldar su deuda y de llamar agradecido a los que le ayudaron. Nebojsa acaba decidiendo de manera generosa. Maneras concretas de no repetir el odio y la venganza, de ser capaces de superar las pasiones tristes que engendran y mirar de otra forma.
 La película mantiene una tensión austera, sin excesos, sin efectismos. No solo por la magnífica dirección y el sólido guión, sino por las convincentes interpretaciones, la excelente fotografía y una música capaz de acompañar con maestría el hilo conductor de la compleja historia.

LOS SECRETOS DEL CORAZÓN

  

Escrito por Luis Roca Jusmet

 El otro día vi una buena película sobre el dolor, que se llama Secretos del corazón.  Dirigida con maestría por John Cameron y protagonizada por una extraordinaria Niccolole Kidman.  El dolor es algo que sentimos los humanos. Lo sentimos a veces como emoción y a veces como sensación. La diferencia entre sentimiento y sensación es que el primero es más interno y el segundo más externo. Pero como explica el gran neurocientífico Antonio Damasio, en los dos casos lo sentimos de manera consciente, como algo propio. Ambos son corporales, pero los transformamos en mentales en el momento es que se convierten en una idea consciente y en una expresión lingüística. No solamente sentimos dolor sino que además somos conscientes de que nosotros somos los sujetos. Somos, a diferecnia de los animales, sujetos del dolor. A veces se confunde el sufrimiento con el dolor, pero se puede marcar una diferencia radical. El dolor es punzante, grita. El sufrimiento es sordo, silencioso. El sufrimiento se soporta, el dolor puede ser insoportable por su intensidad.
Trata del dolor provocado en unos padres por un hijo muerto, un niño de siete años. La madre de la protagonista también perdió a su hijo, un heroinómano de treinta años. La hija le pregunta a su madre si alguna vez el dolor desaparece y la madre dice que no, que nos acompaña hasta la muerte. Lo que cambia es la manera como nos acompaña, dice.

NEBRASKA

Escrito por Luis Roca Jusmet


 Es esta una película de Alexander Payne. Director interesante, como pude comprobar después de ver sus anteriores películas, Entre copas y Los descendientes. Esta última ya plantea la problemática del padre y su función. 
 Nebraska aborda la cuestión del padre de una manera singular. el viejo Woody Gran, aquejado por síntomas de demencia, quiere ir caminando hacia Nebraska a recoger un premio millonario que es evidente que no le ha tocado. Su hijo David, ante la terquedad del hombre y el peligro que supone que se escape solo, lo acompaña en coche, frente a la negativa de su padre y de su hermano.
 La película plantea dos interrogantes ¿ porqué está tan empeñado el anciano en ir a recoger un dinero imaginario con el que tampoco podrá hacer nada ? ¿ Porqué le acaba acompañando su hijo ? la problemática es compleja : tiene que ver con la función del padre, con el sentido de la vida y con la dignidad. Esto es lo que está en juego para el padre y lo que capta el hijo. Todo a nivel inconsciente.