CALVARY ( CALVARIO )

 

 

 

"Calvary" es una película irlandesa muy singular, que la verdad es que me ha impresionado. De su director, John Michael McDonagh, ya había visto otra película que me gustó, "El irlandés". No tienen demasiado que ver, aparte de contar con la magnífica interpretación de Brendan Gleeson, dando vida y credibilidad con su potente interpretación a dos personajes bien diferentes. 

 La película combina la crítica social, el trhiller, el costumbrismo y problemáticas existenciales varias. La denuncia sin concesiones a los abusos sexuales del clero irlandés sacude al espectador. El ritmo de suspense que impone el desarrollo de una semana de la vida del protagonista y su entorno está muy conseguido. El retrato, bastante tragicómico, de estos personajes que habitan este pueblo irlandés mantiene en todo momento el interés por los personajes.

 Los problemas filosóficos que plantea la película son interesantes. Por una parte el tema del significado de la vida. La lucha diaria de los personajes parece ser la de dar un sentido a sus vidas. Pero es sobre todo el tema de la maldad, la reparación y el perdón. Actos de maldad que destrozan vidas. Maldad sin fisuras, actos terribles por puro placer escudándose en la confianza que da una determinada autoridad. Maldad cuyos daños son irreversibles. Parece como si lo que explica el cirujano del niño que se queda sordo, ciego y paralítico después de una operación fuera una metáfora de como se quedan estos niños después de los abusos continuados de un cura. ¿ cómo encontrar la reparación de los daños que producen esta devastación ? El portagonista apunta el perdón ,pero el mismo es víctima de la reparación contraria : redimirse del mal actuando contra el bien. La imagen final de la película, de todas maneras, parece apuntar a la victoria del perdón.

 Pero me gusta mucho que la película no sea moralizante y que deje tantas preguntas abiertas.

 

EL AÑO MÁS VIOLENTO

Escrito por Luis Roca Jusmet

 Sin ser una película de la mafia la situaría en la noble tradición de las películas sobre el tema de Coppola ( "El padrino") o Sorsesse ("Uno de los nuestros"). Cine potente, duro, sobrio en el que se manifiestan problemáticas casi shakespearianas. Problemáticas que hacen referencia, sobre todo en este caso, al drama más que la tragedia. Drama porque los personajes se enfrentan a las decisiones que determinarán el futuro. El futuro depende de nuestras decisiones, aquí está lo grave, lo dramático de la cuestión. Pero lo bueno es que los personajes no dramatizan, viven el drama de manera contenida, con la fuerza del control. Perder el control es, justamente, el origemn del desastre.
 J. A. Chandor es un gran director, un excelente director. Leo que hay que considerarle un discípulo de Sidney Lumet. Es posible. Pero tiene un estilo propio. Había visto antes una película suya, Margin Call, que  me pareció una crónica muy lograda sobre las conductas guiadas exclusivamente por la codicia de las gentes de Wall Street. 
 El año más violento es una película, en un contexto singular, de la ética kantiana. la ética kantiana es una ética de principios basada en la dignidad y el respeto. No se trata de ser altruista, ni compasivo. Tampoco de valorar las consecuencias de tus actos para decidir en cada momento lo que es mejor o peor. Se trata de elegir siempre el camino correcto, como dice el protagonista de la película. Porque si no sigues el camino correcto lo que consigues no tiene valor. Es el deber por encima de todo, deber que dignifica lo que haces y que te hace respetar a tí mismo y lo que haces. "No tenéis respeto por lo que hacéis" es otra de sus frases.
 Es muy interesante ver a este hombre, con pinta de mafioso italiano ( aunque es hispano) encarnar esta ética del deber. En medio de violencia y corruptelas, de mafiosos y delincuentes, él se niega a seguir el juego. No puede hacerlo porque si lo hace todo su mundo, todo lo que quiere, pierde su valor. Porque entonces dejaría de respetarse a sí mismo y no podría exigir respeto de los otros.

LOS SECRETOS DEL CORAZÓN

 Escrito por Luis Roca Jusmet


  La vida es dolor es el mensaje fundamental de la filosofía de Schopenhauer.  El dolor es algo que sentimos los humanos. Lo sentimos como emoción y lo sentimos como sensación. La diferencia entre sentimiento y sensación es que el primero es más interno y el segundo más externo. Pero como explica el gran neurocientífico Antonio Damasio en los dos casos los sentimos de manera consciente, como algo propio. Ambos son corporales, pero los transformamos en mentales en el momento es que se convierten en una idea consciente y en una expresión lingüística. No solamente sentimos dolor sino que además somos conscientes de que nosotros somos los sujetos. Somos, a diferecnia de los animales, sujetos del dolor. A veces se confunde el sufrimiento con el dolor, pero se puede marcar una diferencia radical. El dolor es punzante, grita. El sufrimiento es sordo, silencioso. El sufrimiento se soporta, el dolor puede ser insoportable por su intensidad.
 El otro día vi una buena película sobre el dolor, que se llama Secretos del corazón. Trata del dolor provocado en unos padres por un hijo muerto, un niño de siete años. La madre de la protagonista también perdió a su hijo, un heroinómano de treinta años. La hija le pregunta a su madre si alguna vez el dolor desaparece y la madre dice que no, que nos acompaña hasta la muerte. Lo que cambia es la manera como nos acompaña, dice.
 La película está dirigida por John cameron Mitchell y protagonizada por Nicole Kidman y Aaron Eckarth

LUCKY

 Una película sudafricana desgarradora y conmovedora. Lucky es un niño zulú de 10 años que abandona su pequeña aldea sobre la tumba de su madre muerte para realizar el ideal que ella le transmitió : ir a la escuela.
 En este drama se presentan muchas cuestiones interesantes. Todo ello en el marco de una Sudáfrica que no realizó el sueño de Mandela, que vive en los contrastes y cuyos habitantes parecen, en su inmensa mayoría, sobrevivir con dificultades de todo tipo. Profundas desigualdades, pobreza, marginación y un ambiente general de tristeza es lo que captamos de este universo. Los niños delincuentes son una imagen atroz de lo peor de este mundo.
 Aparece sobre todo el tránsito del niño al adulto, la odisea de encontrar un lugar en un mundo que no nos lo facilita. La necesidad del niño de tener una referencia pero también la necesidad de libertad. El niño quiere salir de su pequeña y cerrada comunidad, no acepta renunciar a su libertad a cambio de seguredad. "Somos lo único que te queda", le dicen los ancianos de la aldea. Pero el niño tiene un impulso más fuerte que le lleva a salir, a buscar este nuevo horizonte que le trazó su madre. La valentía, la fortaleza ( la resilencia diríamos hoy) de este niño capaz de superar las dificultades e incluso la seguridad que le brinda su nueva protectora. Esta nueva protectora es Padma, un india anciana que lo tiene todo en contra para acogerlo, desde sus  prejuicios contra los negros. hasta sus rígidas costumbres y el inconveniente añadido de hablar en idioma diferente. Pero más allá de todo esto, lo que se crea entre ellos es un vínculo de amor, que surge a partir de algo real, indefinible, que está por encima de las propias barreras culturales. 
 Los hombres negros que aparecen, por otra parte, son personajes casi devastados. Desde el tío, un hombre débil y amargado, que esconde detrás de su traje una tremenda miseria moral. El taxista, que parece de entrada incapaz de moverse por algo que no sea la supervivencia, va sacando su parte más noble. Es contundente cuando le dice al niño lo que significa pasar de niño a hombre : entender que los alumnos mienten. Aceptar las limitaciones propias y dejar caer al Otro. Lucky quiere sostener a su madre como este Otro perfecto, sin fisuras. Niegan todo lo que le dicen de ella. Pero aceptar que los alumnos mienten quiere decir aceptar que todos son imperfectos, hasta los que teníamos más idealizados. Y a partir de esta aceptación Lucky pedirá ayuda al que fue compañero de su madre, un hombre débil como lo define. Hombre del que no sabemos totalmente su historia pero que parece un desencantado de la lucha por el apartheid. Alguien que acaba entendiendo que lo que nos oprime no son solo sistemas externos, sino que hay algo en los hombres muy mezquino con lo que hay que contar.
 Y la voz, la voz de la madre. la voz como fuerza, como mensaje, como interpelación. La voz que casi no hay que entender porque parece que desprende algo propio más allá de lo que dice.
 El director, Avie Luthra, nos envuelve en una historia tan lejana como próxima, tan improbable como creíble. Nos emociona sacando lo más humano pero también lo más lúcido.

CIRCLES

 Escrito por Luis Roca Jusmet

  El encuentro, casual, con esta película me ha causado un gran impacto. Me parece una obra extraordinaria por su valor cinematográfico, por su humanidad, y por las cuestiones morales que plantea.
 El director serbio Srdan Golubovićnos muestra en esta película una dramática situación, consecuencia de una trágica muerte enmarcada en la Guerra de los Balcanes.
El guión de la película, escrita por el director y por melina Pota Koljevic, está basada en hechos reales. En la película se mezclan varias historia que se enlazan con un hecho que pasa quince años en la localidad bosnia de Trebinje. Los acontecimientos, que no se hacen explícitos hasta el final de la película pero que se van intuyendo como trágicas, se desencadenan por una contingencia que tiene un carácter paradójico. El soldado serbio Marko compra dos cajetillas de tabaco, después de visitar a su novio después de unos días de ausencia, a su amigo musulmán Haris. Está con su amigo Nebojsa cuando ve que otros tres soldados serbios están dando una paliza a Haris, precisamente porque no les puede proporcionar la cajetilla que le pedían, que es el mismo que había proporcionado a Marko. Marko se levanta e interviene para parar la agresión. Acaba la escena con la mirada desafiante  de Todor, que es el que lleva la voz cantante.
 Quince años más tarde se cruzan tres historias, que hemos de ir deduciendo la relación que tienen con lo que ocurrió en Trebinje. las historias ocurren en tres escenarios diferentes. En la misma Trebjne un joven quiere trabajar con un viejo que reconstruye una Iglesia. Este se niega por algo que le hizo su padre. El joven insiste y en este tira y afloja vamos entendiendo parte de la tragedia inicial.
Entendemos que Marko murió. que el viejo es su padre y que el padre del chico tuvo algo que ver con esta muerte.
 El segundo escenario es en Alemania, adonde se ha trasladado Haris, que se ha casado con una enfermera con la que tiene dos hijos. Llega una mujer con un niño pequeño y se crea a partir de aquí un clima de inquietud, que vamos viendo como acabará de forma dramática. hay una deuda de Haris con esta mujer, que identificamos por su físico con la novia de Marko. le pide asilo huyendo de Serbia de un marido agresivo. la llegada de este hombre al domicilio de Haris, que está ausente, es un ejercicio perfecto de como crear un clima de terror sin que ocurra aparentemente nada.
  La tercera historia transcurre en Belgrado. Todor está grave y el único médico que puede operarle es Nebojsa. Sabemos que Todor hizo algo terrible y Nebojsa no puede perdonarle.
Se encuentra frente al dilema moral de si operarle o no.
 La trama de los personajes es muy compleja y el director demuestra una maestría admirable para mantener lo que da título a la película, los círculos que vienen a ser las ondas que han provocado la tragedia, que se muestra al final de la película con la muerte violenta de Marko por la agresión de Todor y sus acompañantes.La muerte de Marko continúa resonando en las vidas de todos estos personajes que tuvieron que ver con él y con el acontecimiento. Pero no únicamente es una resonancia emocional sino también de hechos. Continúan sus consecuencias, en algún caso dramáticas.
 El problema filosófico de la película es el de la responsabilidad moral. Todo parece claro, de entrada. la responsabilidad es de Todor, en primer lugar, y de sus compañeros, que le siguen en la agresión. Es un acto de violencia gratuita, desmesurada, por el puro goce de la humillación del otro. Pero luego vamos viendo la complejidad de las responsabilidades. Haris parece que necesita volver a ser goleado, agredido, para redimirse de su culpa. ¿ Cuál es su culpa ? Escapar corriendo aprovechando la intervención de Marko. Esta acción desesperada, impulsiva, acaba desencadenando una tragedia peor de la que se anunciaba, en el que la víctima es Marko. El padre de Marko, por otra parte, no quiere venganza. Dice además que uno de los que intervinieron con Todor era buena persona. Que no eran ellos el problema. Remite, por supuesto, al odio y la violencia desencadenada por líderes serbios contra los bosnios. ¿ Es un cabrón irremediable Todor, como le dice Nebojsa cuando el primero le dice que ya pagó por lo que hizo y no está arrepentido porque el responsable fue Marko al meterse donde no debía ? ¿ Es entonces Marko responsable de lo que pasó Todor a consecuencia de la tragedia ? ¿ es también responsable Nebojsa porque fue un cobarde y no hizo nada, como todos los que estaban allí, para evitar el desastre ? Pero la clave la da el padre. Todo ello ( la tragedia y todos los círculos mortíferos desencadenados) para NADA.
Este es el sentido de la guerra y toda la devastación que genera. Su absurdidad,
 La película desprende también una humanidad contenida, seca, real. nada de sensiblerías. Los personajes son duros y asumen sus actos. El padre del muerto acaba acogiendo al hijo del que mató a su propio hijo. Haris es capaz de encajar una paliza para saldar su deuda y de llamar agradecido a los que le ayudaron. Nebojsa acaba decidiendo de manera generosa. Maneras concretas de no repetir el odio y la venganza, de ser capaces de superar las pasiones tristes que engendran y mirar de otra forma.
 La película mantiene una tensión austera, sin excesos, sin efectismos. No solo por la magnífica dirección y el sólido guión, sino por las convincentes interpretaciones, la excelente fotografía y una música capaz de acompañar con maestría el hilo conductor de la compleja historia.

COSMOPOLIS

 Escrita por Luis Roca Jusmet

Esta  película es  interesante.Puede gustar más o menos pero vale la pena verla. Está basada en una novela del escritor Don de Lillo, novelista neoyorquino, nacido en 1936). Dirigida por David cronenberg (1943), uno de los directores contemporáneos más estimulantes.
 No hace poco dirigió "Un método peligroso", una aproximación muy lograda y personal a la relación entre Freud y Jung. Antes, dos películas duras pero muy consistentes : "Una historia de violencia" y "Promesas del Este".Hay otros films rlevantes, como "Crash" o "Inseparables". Todo ello desde unos inicios en la serie B truculenta : "Rabia","Videodrome","La zona muerta" y una buena versión de "La mosca".
A Cronenberg le atrae el lado oscuro de la condición humana. Aquí lo aborda desde el centro del capitalismo financiero mundial y a través de uno de sus representantes más emblemáticos. El protagonista es un joven y brillante gestor de las finanzas que forma parte de los archiricos del capitalismo contemporáneo. A través de una jornada, que se dearrolla básicamente en el interior de su limusina, le seguimos en su viaje al absurdo. Todo se va desmoronando, su vida corre peligro y él va contemplado su deriva con el mismo cinismo que lo ha llevado a la cumbre. La codicia y la voluntad de poder sin límites, la fría racionalidad instrumental y la arrogancia caen como un castillo de naipes.
Un ambiente frío y metálico, agobiante hasta resultar asfixiante.

EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA

Escrito por Luis Roca Jusmet

El viento que agita la cebada es, de entrada, una película de compromiso político, como todas o casi todas las de Kean Loach. Cine de denuncia que quiere dar la voz a las víctimas. En este caso a los irlandeses en su lucha por la independencia de Gran Bretaña.

 La película me ha abierto varias reflexiones. De entrada que lo que muestra la película nada tiene que ver con lo que pasa o pasaba en la misma época en Cataluña o en el País Vasco. En el caso de Irlanda hay una ocupación que se  manifiesta a través de un dominio político, militar y económico. Las clases dominantes en Irlanda son, sobre todo, los ingleses que han llegado de fuera. En Cataluña y en el País Vasco, en cambio, está claro que las clases económicamente dominantes son catalanes y vascos. Son los inmigrantes pobres de otras zonas de España los que vienen a trabajar a Cataluña. Los irlandeses viven empobrecidos y en un estado de humillación permanente por las tropas británicas. Esto es, por lo menos, lo que presenta la película. 

 Llama la atención, de todas maneras, que la libertad que querían los irlandeses se traduzca después en una sociedad totalmente represiva por la Iglesia católica. Lo muestran otras películas, ya que hablamos de cine, como Las hermanas de Magdalena, donde observamos horrorizados el estado de semiesclavitud en el viven jóvenes irlandesas denunciadas por inmorales o simplemente violadas, hasta finales del Siglo XX. Esto nos da que pensar que la libertad de un país no depende de la independencia del que le domina únicamente, sino básicamente del modelo de sociedad que lo estructura. Estas miles de jóvenes, muertas en vida por la Iglesia y sus propias familias, poca libertad encontraron en la Irlanda libre.